Analisi di un'opera vocale. Piano di analisi per opere vocali

Il carattere figurativo ed emotivo dell'opera nel suo insieme, il programma (se presente). Caratteristiche del genere. Forma, tonalità principale. Il carattere figurativo ed emotivo e i mezzi espressivi più significativi della musica delle parti principali dell'opera (principalmente materiale tematico). Dinamica di sviluppo (se chiaramente espressa), il mezzo più importante per la sua attuazione. Caratteristiche lo stile del compositore nell'opera. La connessione dell'opera con la/e tradizione/i corrispondente/i.

Analisi del ciclo strumentale delle miniature.

La natura figurativa ed emotiva del ciclo, il programma (se disponibile). Composizione del ciclo. Raggruppamento delle opere teatrali incluse nel ciclo in base al loro carattere figurativo e alle caratteristiche di genere. Il mezzo più importante per combinare le opere teatrali in un ciclo. Il carattere figurativo ed emotivo generale e i mezzi espressivi più importanti della musica di alcune opere teatrali comprese nel ciclo. Il significato del ciclo nell'opera del compositore. Caratteristiche caratteristiche dello stile del compositore nel ciclo. La connessione tra il ciclo e la/e tradizione/i.

Analisi della miniatura vocale.

Quando si analizza una miniatura vocale, è necessario lasciarsi guidare dallo schema della sezione "Analisi di una miniatura strumentale", integrandolo con i seguenti punti:

Il rapporto tra testo verbale e musica. Il rapporto tra parti vocali e strumentali e il loro significato. Magazzino di parti vocali e strumentali.

Analisi del ciclo vocale delle miniature.

Analizzando il ciclo vocale delle miniature è necessario lasciarsi guidare dallo schema della sezione “Analisi del ciclo strumentale delle miniature”, integrandolo con i seguenti punti:

Il rapporto tra testo verbale e musica. Il rapporto tra parti vocali e strumentali e il loro significato. La composizione predominante di parti vocali e strumentali.

Analisi di un'opera strumentale scritta sotto forma di ciclo sonata-sinfonico.

La natura figurativa ed emotiva dell'opera nel suo insieme, il programma (se presente). Caratteristiche del genere. Composizione del ciclo, chiave principale. Contenuto, struttura e linguaggio musicale di ciascuna parte del ciclo: carattere figurativo ed emotivo e principali caratteristiche di genere della parte nel suo insieme, il suo ruolo nella drammaturgia del ciclo; forma e tonalità principale del movimento; carattere figurativo ed emotivo e mezzi espressivi musicali più significativi delle principali sezioni del movimento (principalmente materiale tematico); la dinamica dello sviluppo nella parte nel suo insieme e nelle singole sezioni (se è chiaramente espressa), il mezzo più importante della sua attuazione. Il mezzo più importante per combinare le parti in un ciclo. Il significato dell’opera nell’opera del compositore. Caratteristiche caratteristiche dello stile del compositore nell'opera. La connessione tra l'opera e la/le tradizione/i.

Analisi di un'ampia opera strumentale in un movimento.

La natura figurativa ed emotiva dell'opera nel suo insieme, il programma (se presente). Caratteristiche del genere. Forma, tonalità principale. Il carattere figurativo ed emotivo e i mezzi espressivi musicali più significativi delle sezioni principali dell'opera (principalmente materiale tematico). La dinamica dello sviluppo nell'opera nel suo insieme e nelle singole sezioni (se è chiaramente espressa). Il significato dell’opera nell’opera del compositore. Caratteristiche caratteristiche dello stile del compositore nell'opera. La connessione tra l'opera e la/le tradizione/i.

Analisi dell'opera.

Complotto. Caratteristiche del genere. Il rapporto tra testo verbale, azione drammatica e musica. Caratteristiche caratteristiche della drammaturgia (l'importanza dei principi del dramma musicale, il ritmo dell'azione, il rapporto tra elementi drammatici, lirici ed epici, il rapporto tra scene di folla e scene con la partecipazione di un piccolo numero di personaggi). Il rapporto tra parti vocali e orchestrali e il loro significato. Il tipo predominante di melodia vocale. Composizione. L'importanza dei principi della formazione musicale. Mezzo musicale per combinare parti di un'opera (numeri, scene, immagini, atti). I mezzi musicali più significativi per caratterizzare i personaggi principali (in presenza di scene di folla significative - e i mezzi di caratterizzazione utilizzati in queste scene). La dinamica dello sviluppo delle immagini di base (se chiaramente espresse), il mezzo più importante della sua attuazione. Il significato dell’opera nell’opera del compositore. Caratteristiche caratteristiche dello stile del compositore nell'opera. La connessione tra l'opera e la/le tradizione/i.

Analisi dell'oratorio e della cantata.

Quando si analizzano oratori e cantate drammaticamente simili all'opera (presenza di una trama relativamente sviluppata, caratteri) è necessario lasciarsi guidare dal piano della sezione “Analisi dell'Opera”.

L'analisi degli altri oratori e cantate viene effettuata secondo il seguente schema:

Base della trama. Caratteristiche del genere. Il rapporto tra testo verbale e musica. Il rapporto tra elementi drammatici, lirici ed epici, episodi solisti (insieme) e corali (numeri, scene). Il rapporto tra parti vocali e strumentali e il loro significato. Il tipo predominante di melodia vocale. Composizione. Mezzi musicali per combinare parti. Il mezzo musicale più essenziale per incarnare le immagini di base. La dinamica dello sviluppo delle immagini di base (se chiaramente espresse), il mezzo più importante della sua attuazione. Il significato dell’opera nell’opera del compositore. Caratteristiche caratteristiche dello stile del compositore nell'opera. La connessione tra l'opera e la/le tradizione/i.

Inoltre, su indicazione dell'insegnante, alcune o tutte le parti dell'oratorio (cantata) possono essere analizzate secondo il seguente schema:

base della trama, carattere figurativo ed emotivo, caratteristiche di genere della parte nel suo insieme; il suo ruolo nella drammaturgia dell'opera; forma e tonalità principale del movimento; carattere figurativo-emotivo e mezzi espressivi più significativi della musica delle sezioni principali della parte (principalmente materiale tematico), la dinamica dello sviluppo nella parte, nel suo insieme e nelle singole sezioni (se chiaramente espressa).

DOMANDE D'ESAME

Ministero dell'Istruzione della Repubblica di Mordovia

GBOU RM SPO (SSUZ) “Collegio pedagogico Zubovo-Polyansky”

Sviluppo metodologico

“Annotazione scritta sopra un’opera vocale e corale”

Compilato da: insegnante VKK Savina N.S.

Zubova Poljana, 2013

Nota esplicativa.

Una delle forme di lavoro analitico di un futuro insegnante di musica (scuola elementare) è un'annotazione scritta su un'opera vocale e corale. Questo lavoroè rilevante in quanto il lavoro vocale e corale occupa un posto importante nell'attività creativa dell'insegnante (gli studenti sono felici di impegnarsi in questo tipo di attività musicale). Quando si elabora un programma di lezione, l'insegnante presta molta attenzione alla prima fase di lavoro su una canzone: la fase preparatoria. Esattamente acceso fase preparatoria l'insegnante conduce un'analisi vocale e corale di un'opera musicale, tenendo conto delle opere vocali in termini di immaginario, accessibilità dei contenuti, sequenza di formazione delle abilità vocali e corali, delineando metodi e tecniche specifici per il lavoro.

Per svolgere compiti artistici ed esecutivi, un futuro specialista deve padroneggiare vari metodi di comprensione del materiale musicale e poetico: analisi, confronto, giustapposizione, generalizzazione, ecc., Che agiscono in stretta interrelazione. Nel processo di annotazione, i metodi di cui sopra vengono utilizzati per promuovere la formazione di capacità autodidattiche. Lo sviluppo metodologico è stato creato sulla base di lavori scientifici direttori di coro, teorici: E. Dyganova, L. Bezborodova, P. Chesnokov, B. Tevlin e altri.

Lo scopo dell'annotazione: preparare lo studente al lavoro di maestro di coro indipendente.

Nel processo di scrittura del lavoro, vengono risolti i seguenti compiti:

Acquisizione di competenze e abilità autodidattiche lavoro indipendente con letteratura, analisi, confronto e sistematizzazione di fatti, generalizzazioni e conclusioni;

Padroneggiare la terminologia professionale;

Formazione di prospettive professionali;

Preparare gli studenti al lavoro di maestro di coro indipendente.

Questo lavoro si compone di due sezioni: la prima sezione è “Raccomandazioni per la compilazione di un'annotazione per una canzone del repertorio scolastico. Imparare una canzone scolastica"; la seconda sezione è “Raccomandazioni per la compilazione di annotazioni per opere corali del repertorio scolastico” (classi junior e senior).

Sezione “Raccomandazioni per la compilazione di un'annotazione per una canzone del repertorio scolastico. Imparare una canzone scolastica."

La prima forma di lavoro scritto autonomo degli studenti consiste in brevi annotazioni scritte su opere incluse nel repertorio scolastico. Tale lavoro analitico orientato professionalmente viene svolto secondo il seguente piano:

1.Identificazione e definizione:

Contenuto emotivo e semantico dell'opera e mezzi espressivi;

Individuazione delle caratteristiche e delle difficoltà;

Compiti educativi: educativi, educativi, di sviluppo, formativi.

2. “Imparare l'inno scolastico” e comprende quanto segue:

Riepilogo della conversazione introduttiva (informazioni sugli autori della canzone, contenuto, analisi della natura della musica), che viene eseguita sotto forma di racconto, comprese le domande a disposizione degli studenti e le risposte suggerite;

Il piano delle prove copre tutti gli elementi di apprendimento dopo aver mostrato la canzone e parlato.

Per esempio:

Ascolta la prima frase (eseguita con voce e strumento); ripeti con me la prima frase;

Cantiamo come una persona (ottenendo il suono dell'unisono);

Pronunciamo le parole ritmicamente (lavoro sulla dizione);

Ascolta la seconda frase e determina se è simile alla prima (sviluppo della memoria musicale), ecc.

Il piano dell'esecuzione riflette il tempo, i cambiamenti dinamici nei diversi versi della canzone, il fraseggio, i climax privati e generali, la natura del sound design (tratti), gli accenti, le pause, le parole con enfasi logica, ecc.

Quando si scrive un'annotazione, per approfondire un brano musicale, si può utilizzare il seguente schema:

Il luogo e il significato della canzone nell'argomento della lezione (quarto).
Introduzione (storia della canzone, informazioni sugli autori, tipologie artistiche correlate).
Suggerimenti per cantare una canzone.
Domande per chiarire le impressioni: che impatto ha la musica, quale immagine musicale, cosa esprime la musica?
Osservare lo sviluppo della musica e determinarne il culmine.
Selezione degli strumenti musicali appropriati per l'accompagnamento.
Definizione di forma (perché questa costruzione?).
Quali tipi di arti correlate possono essere utilizzati?
Elaborazione di un piano di esecuzione.
Un'indicazione delle difficoltà nel lavoro e dei metodi per superarle.
Rapporto tra melodia e accompagnamento?
Individuare i mezzi di espressione musicale?
Definizione dei compiti (educativi, formativi, di sviluppo).
Compiti a casa in relazione a questo lavoro.
Determinare la connessione tra musica e vita?
Elenco delle opere di questi autori?
Perché l'opera si chiama così e a quale ambito può essere attribuita?
Cosa c’è di moderno in quest’opera?
Quali abilità musicali, abilità, abilità degli studenti contribuiscono alla percezione di questo lavoro?
In quale classe è più opportuno studiare questo materiale musicale?
Quali fattori della vita del compositore legati al periodo di creazione di quest’opera possono essere utilizzati per interessare gli studenti e garantire così una percezione più profonda di quest’opera?

Un esempio sono le seguenti annotazioni degli studenti.

Estratto dal romanzo “Tramonto” di E. Grieg.

“La conoscenza della storia d'amore del compositore norvegese E. Grieg “Sunset” avviene mentre si studia l'argomento “Musica dei popoli del mondo”. Questo lavoro esprime amore profondo compositore alla sua natura nativa.

L'opera è scritta in versi, ma allo stesso tempo, studiando l'argomento "Costruzione (forma) della musica", si può attirare l'attenzione dei bambini sul fatto che nel verso si confronta la maggiore nella prima parte con la minore nella seconda parte permette di percepire chiaramente questa storia d'amore come una forma in due parti. Quando si lavora sulla purezza dell'intonazione, bisogna prestare attenzione alla difficoltà dell'esecuzione di un brano musicale, che risiede nel fatto che ci sono molti salti nella melodia (una quarta perfetta, una quinta perfetta, una sesta minore, una settima minore, ecc.), particolare attenzione richiede una composizione intervallare di seconde maggiori e minori. Il ritmo è semplice, alternando non più di tre durate. La performance vocale dovrebbe essere naturale e chiara. L'intervallo non è più di un'ottava. L'indicazione del tempo del pezzo è 12/8, il che conferisce alla musica un carattere fluido, simile a un valzer. Il modo maggiore (Si maggiore) nella prima parte della strofa conferisce alla musica un carattere più leggero e gentile, come un raggio di sole che cerca di sfondare le nuvole. Il modo minore della seconda parte conferisce una speciale morbidezza, tenerezza e ispirazione. È in questa parte che avviene il culmine di quest'opera con la parola “figli…”; come se il compositore cantasse una “ninna nanna” per addormentare la natura e tutti gli esseri viventi sulla terra. Per trasmettere più profondamente l'immagine dell'opera musicale, le parole della frase successiva nella seconda parte "le betulle sussurrano appena... I sogni vengono ai figli della terra..." Si consiglia di cantare con la respirazione concatenata. E le parole del testo “Presto il sole scomparirà dietro la striscia scarlatta” e la conclusione strumentale che segue completano meravigliosamente questo quadro.

Imparare la storia d'amore di E. Grieg “Tramonto”.

U. In questa lezione continueremo a conoscere il lavoro del compositore norvegese Edvard Grieg.

Quali opere ricordi di questo compositore? (risposte dei bambini)

(Alla registrazione di un estratto dall'opera “Morning” storia)

La tenuta Trollhausen si trova su una pittoresca riva in silenzio. nel silenzio e nella solitudine vicino alla natura bella e aspra, trascorsa grande vita Il compositore norvegese E. Grieg, il primo classico della musica norvegese, fondatore della musica nazionale norvegese.

Per più di 100 anni, la sua musica ha affascinato gli ascoltatori con la sua poesia e spontaneità.

La Norvegia è un paese di persone forti e coraggiose. A metà del XIX secolo fiorì la cultura nazionale norvegese.

E. Grieg è nato nel 1843 nella grande città costiera di Bergen. Nella famiglia di Grieg regnava un'appassionata passione per la musica. Sua madre era una pianista che si esibiva spesso ai concerti cittadini, e suo fratello maggiore John suonava il violoncello.

Fin dall'infanzia, Grieg amava la musica e la natura norvegese, che in seguito glorificava in modo figurato e poetico nelle sue opere. Vagava spesso per foreste e villaggi, ascoltando i suoni della natura e il canto popolare, i ritmi e le intonazioni che costituivano la base della sua musica.

Dopo essersi diplomato, si reca in Germania nella città di Lipsia. Dopo aver ricevuto un'istruzione in Germania, tornando in Norvegia, dedica tutte le sue energie allo sviluppo della cultura nazionale norvegese.

La fama di Edvard Grieg come compositore, pianista e direttore d'orchestra crebbe rapidamente. Tiene molti concerti e incontra il compositore russo P.I. Ciajkovskij, che in seguito divenne suo amico.

La musica di P.I. Tchaikovsky e Edvard Grieg era unita dalla bellezza, dalla sincerità, dalla poesia e dall'amore per la natura.

Erano chiamati i "cantanti" della loro natura nativa. Sebbene Čajkovskij non conoscesse il norvegese e Edvard Grieg non parlasse russo, comunicavano nella lingua della musica, che non richiede traduzione

Ascolto di musica e storie.

Oggi vi propongo di ascoltare e poi conoscere un’opera di E. Grieg (il titolo non è annunciato).

"Tramonto" - ascolto.

Conversazione sul pezzo che hai ascoltato.

Conosci quest'opera?

A quale compositore appartiene?

Cosa ci dice questo lavoro?

Quale ora del giorno ha rappresentato il compositore?

Quali sentimenti sono espressi in questo lavoro? (la natura si sta preparando al sonno, quindi la musica esprime i sentimenti e gli stati d'animo corrispondenti di una persona - un sentimento di calma, tenerezza, pace (e solo qui viene annunciato il titolo dell'opera).

U. Un bellissimo fenomeno naturale: il tramonto è molto amato da molti artisti. E nel corso della storia della pittura mondiale, sono stati dipinti migliaia di dipinti raffiguranti un tramonto serale.

Analisi del dipinto “Serata d'estate” di I. I. Levitan

U. Guarda il dipinto dell'artista russo I. Levitan.

Che ora del giorno ha raffigurato l'artista? Perché la pensi così? Quali colori predominano in questa immagine?

Cosa viene mostrato in primo piano? (una periferia deserta del villaggio recintata con una recinzione di pali irregolari, e poi un grande campo e una striscia di foresta)

Cosa viene mostrato nella via di mezzo? (il bosco soleggiato attira, invita e tu vuoi uscire dalla fredda ombra del crepuscolo per correre lì)

Dove porta questa strada? (forse è come un percorso verso l’ignoto bellissimo mondo o “la strada verso l’eternità”).

U.Cosa rende bello un tramonto? Probabilmente non solo ciò che ti permette di osservare immagini di straordinaria bellezza. Il tempo è ciò che conta! Guardiamo il tramonto alla fine della giornata. Com'è andata la giornata? Ci ha portato gioia o tristezza? Noi stessi abbiamo compiuto una buona azione a beneficio degli altri o, al contrario, abbiamo commesso una cattiva azione o turbato qualcuno? Pensieri del genere non vengono al mattino: sono per speranze, progetti. La giornata trascorre preoccupata, impegnata con gli affari. Quando il sole tramonta sotto l’orizzonte, i risultati vengono riassunti. Questo è il momento di pensare alla vita, alla bellezza e all'eternità della natura, al nostro posto in essa. Non per niente quest'ora del giorno è strettamente connessa con lo stato d'animo che ha ispirato poeti e artisti. I dipinti del Volga di I. Levitan sono chiamati poesie liriche. Molti di essi raffigurano momenti in cui i riflessi del sole al tramonto colorano il cielo e la tranquilla superficie dell'acqua ("Evening. Golden Reach"), gli edifici del monastero e il loro riflesso nell'acqua ("Evening Bells"), e il fogliame autunnale cremisi ("Sera d'estate").

(L'analisi dell'immagine è stata effettuata per una percezione più profonda dell'opera musicale)

U. E ora ascolteremo di nuovo questo lavoro e proveremo ancora una volta a sentire l'atmosfera di questa immagine e i sentimenti espressi nella musica, e ricorderemo anche la melodia di questa storia d'amore.

Ascolto ripetuto di un brano musicale.

Imparare una storia d'amore

Sto imparando una frase romantica per frase con ripetizioni multiple e nuovi compiti. Presto particolare attenzione all'intonazione precisa della melodia, all'articolazione, alla dizione, alla produzione del suono, alla respirazione, ecc. (la difficoltà di apprendimento è indicata nella nota dell'opera). Associo tutto il lavoro di apprendimento di un brano musicale all'immagine del brano musicale.

Ecco come può procedere il lavoro sull'espressività della storia d'amore di E. Grieg “Sunset”: “Di sera l'ombra è lunga, ma la tua è corta. L'hai lasciato cadere, non voglio ammirare un'ombra simile. Rendilo più morbido, cantalo.

Dopo la seconda frase: "Alla terra", non c'era molta terra, c'è un canto qui, ma non l'hai eseguito. “Velo” - “a” - canta profondamente per avvolgere l'intera terra nell'oscurità.

Dopo aver imparato il primo verso, puoi riflettere:

Nel silenzio di mezzanotte

Le betulle sussurrano un po',

I sogni vengono ai figli della terra,

I sogni stanno soffiando nel mondo.

Non hai il silenzio. "Io" - canta e "sh" - canta appena udibile. Dovrebbero esserci molte vocali e poche consonanti... "Ai figli" - guarda come E. Grieg ama le persone. "A" è di nuovo profondo, "i sogni soffiano" - dolcemente, come sulle onde. Senti quali sentimenti condivide il compositore con noi, quindi prova a cantare come lo ha vissuto Grieg. Trasmetti questa bellezza della natura, la profondità dei sentimenti.

La padronanza da parte dei bambini dei modi per esprimere la propria individualità nello svolgimento delle attività dovrebbe avvenire nel processo di accumulo e "vivenza" di vari stati emotivi, il cui costante "allenamento" conferisce una nuova qualità: il loro sviluppo come personalità creativa, culturale e spirituale.

Sezione “Raccomandazioni per la compilazione di un'annotazione per un'opera corale del repertorio scolastico.

Il repertorio del coro junior è più complesso così come la forma dei versi. Gli studenti vengono introdotti a una varietà di generi di musica corale:

Canti popolari (canone, canto all'unisono a sarrella, canto a due voci);

Canzoni nazioni diverse pace;

Canzoni di compositori della loro terra natale;

Canzoni di compositori classici;

Canzoni patriottiche;

Canzoni a tema.

Al liceo, gradualmente, con l'accumulo di esperienza nell'esecuzione corale, il repertorio diventa più complesso. Qui stiamo lavorando sullo stile di esecuzione delle opere di singoli compositori e linguaggio musicale epoche diverse, lo sviluppo della polifonia.

Pertanto, la compilazione di un'annotazione per un'opera corale del repertorio scolastico è una fase più difficile del lavoro autonomo dello studente perché è richiesta la capacità di uno studio approfondito della partitura corale. Quando si redige un'annotazione, è possibile suggerire il seguente schema:

3. Le opere principali di questo compositore per coro di bambini.

4. informazioni generali sull'opera: il titolo completo dell'opera, l'anno (periodo) in cui è stata scritta la musica e l'autore del testo, la composizione degli esecutori.

5. Caratteristiche del genere corale, possono essere: miniatura corale, canto corale, romanticismo corale, arrangiamento o arrangiamento di una canzone popolare, ecc. Se l'opera musicale è un arrangiamento di una canzone popolare o un arrangiamento di un'opera vocale, è necessario caratterizzare l'opera nella sua forma originale e analizzare il grado di cambiamento dell'opera corale rispetto all'originale.

6. Analisi dell'opera: contenuto, personaggio principale. Parti dell'opera (forma), la natura di ciascuna parte. Il rapporto tra testo letterario e forma musicale.

7. Mezzi espressivi dell'opera: la natura della melodia, tonalità, tempo.

8. Caratteristiche del linguaggio armonico, deviazioni tonali, modulazioni. Caratteristiche della struttura ritmica della melodia e dell'accompagnamento.

9. Tipo e tipo di coro, caratteristiche della trama, natura della linea melodica di ciascuna parte. L'estensione dell'intero coro e delle singole parti corali.

10. Determinare le possibilità di utilizzo dell'opera lavorando con il coro di specifiche classi scolastiche, tenendo conto del grado di “avanzamento” del coro.

11. Difficoltà di intonazione, ritmica, dizione, vocale e altre che un coro di una determinata età scolare può incontrare durante l'apprendimento di un brano. Modi per superare queste difficoltà.

12. Competenze vocali e corali acquisite dal coro come risultato del lavoro sull'opera.

13. Analisi esecutiva (finalizzata a giustificare la propria interpretazione di un'opera musicale).

Quando si lavora su un brano corale, possiamo consigliare i seguenti metodi di apprendimento:

Dividere l'opera in piccoli segmenti che abbiano una relativa completezza e studiarli separatamente con ciascuna parte corale, nonché in varie combinazioni di parti;
Combinare segmenti appresi in strutture chiuse nel canto come parti separate. Così fa l'intero coro;
Lavoro sulle abilità vocali e corali - cultura del suono, dizione, ensemble, struttura melodica e armonica (ascolto attivo di un brano con l'aiuto dell'udito interiore, solfeggio, vocalizzazione, canto in sillabe diverse, canto in tonalità diverse, canto con e senza accompagnamento , cantare a bocca chiusa, cantare sequenze armoniche della partitura fuori ritmo);
L'uso di speciali esercizi vocali e musical-uditivi durante l'apprendimento di parti difficili;
Usare uno strumento musicale nel lavorare con un coro;
Lavorare sulla resa artistica dell'opera: fraseggio, sfumatura, ricerca del giusto ritmo, presentazione emotiva del testo verbale. Familiarizzazione del coro con il piano esecutivo.

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L'opera è stata scritta per un coro misto a 4 voci. Nelle battute 13 e 14 un coro femminile canta con divisione, dando così significato al testo letterario, il suo significato. Le parti corali sono piuttosto impegnative. Nelle parti maschili c'è un tema (3 volumi, 4 volumi, 5 volumi, 10 volumi). Ciò è dovuto al passaggio della linea melodica alla parte maschile e alla sua enfasi.

La presentazione corale è caratterizzata da unità armonica, assenza di contrasti netti, equilibrio e particolare attenzione all'orizzontale. La distanza tra le voci varia tra terze e quarte.

L'estensione dell'intera opera: dal “LA” dell'ottava piccola al “MI” della seconda ottava.

Gamma soprano 1: (“FA” della prima ottava fino a “MI” della seconda ottava).

Gamma soprano 2: (“C” della prima ottava a “C” della seconda ottava).

Gamma contralto 1: (“SI” dell'ottava piccola fino a “SOL” della prima ottava).

Estensione dei contralti 2: (“LA” dell'ottava piccola fino a “SOL” della prima ottava).

Estensione del coro maschile: (“Mi” dell'ottava piccola fino a “Do” della prima ottava).

La tessitura delle parti corali e dell'intero coro è abbastanza comoda, tranne per il fatto che il coro maschile deve intonare la stessa nota per un lungo periodo di tempo, per cui la voce suona tesa e si verifica una diminuzione dell'intonazione.

Lo schema melodico delle voci è fluido, flessibile, senza forti salite e cadute. In ogni parte è importante mantenere una melodia orizzontale, evidenziando le singole parole semantiche in frasi e frasi. Particolarmente difficile è cantare su un suono in un coro maschile e nella parte del contralto. Vale anche la pena prestare attenzione al canto degli unisoni di ottava (8 t.). In 5-8 t compaiono segni aggiuntivi “A#, G#”, che devono essere cantati a un tempo lento, intonando correttamente il suono. Nella parte del coro maschile nei volumi 5, 6, 10 vale la pena cantare lentamente un inno sulle parole “tempio”, “luce”, la sillaba “sam”. Per prima cosa c'è un canto di 4 ottavi di durata, che può creare il pericolo di “ingressi”. Ogni suono dovrebbe essere cantato con enfasi e attivamente. Nella parte del coro femminile (13 volumi), passa con attenzione a una tonalità diversa e canta transizioni taglienti in bekar. I salti di intervallo come "b3" sono più comuni; sono presenti anche intervalli "ch4", che richiedono un canto aggiuntivo durante l'apprendimento per la purezza dell'intonazione.

L'opera è una forma in versi con un'aggiunta e una piccola vocalizzazione alla fine, quindi vale la pena prestare attenzione alla struttura melodica.

Il tempo del pezzo è piuttosto lento, il che pone una difficoltà ritmica, perché la qualità dell'insieme ritmico potrebbe risentirne. suono vocale melodico del coro

Caratteristiche del dizionario dell'opera: chiara articolazione, separazione delle consonanti tra la fine e l'inizio di due frasi (1-2 volumi, 5-6 volumi, 11-12 volumi), attacco del suono quando due vocali si scontrano (3-4 volumi) , 8 t., 14 t.). La difficoltà è la presenza di un ritmo puntato (1-4 t., 9, 10, 12 t.). Il movimento di quest'opera è mantenuto principalmente in ottave durate, con la presenza di mezze durate. Per eseguire accuratamente qualsiasi pattern, oltre a preservare lo schema generale tempo-ritmico dell'intero lavoro, è necessario dividere ritmicamente e in modo condizionale le durate in durate più piccole.

In accordo con il testo letterario e musicale, è necessaria la respirazione concatenata in 1-2 tonnellate del secondo verso, 3-4 tonnellate del secondo verso, 5-6 tonnellate del primo verso, 7-8 tonnellate del primo e secondo versetto, 9-10 ecc. Negli altri casi si dovrebbe fare una breve cesura. Ci sono cambiamenti nel tempo di connessione con il climax (9-12 t.) A 7-8 t. La seconda strofa necessita di essere rallentata e il canto ampliato.

I collegamenti tra la traduzione di un testo dal georgiano al russo nascono da discrepanze nei climax delle frasi in un testo letterario. Ci sono incongruenze tra la sillaba accentata principale e il punto di intonazione principale della frase musicale. La natura del suono vocale è sobria e piena di sentimento. Per trasmettere l'immagine musicale di un'opera vengono utilizzate varie dinamiche e la presenza di corone. Ad esempio, nelle battute 7-8 della seconda strofa, viene utilizzata una corona per concludere logicamente la strofa e passare al coro femminile. Il tipo principale di studio del suono è il Legato, quando tutte le sillabe devono essere strettamente “legate” tra loro.

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Gamma complessiva del coro:

Mi (ottava maggiore) - Sol (seconda ottava)

Generale allineare il coro si estende su più di tre ottave, sebbene l'estensione operativa sia poco più di due ottave.

Consideriamo separatamente l'estensione di ciascuna parte corale:

Soprano:

Alto:

Tenore:

Pertanto, vediamo che l'estensione della parte dei bassi è la più ampia grazie all'uso dei bassi II bassi nelle ultime due misure. Nonostante questo condizioni di tessitura in questa parte corale sono abbastanza accettabili. Le parti di soprano (16t) e tenore (17.27) presentano alcuni inconvenienti di tessitura. Ma sappiamo che “We Sing to You” fa parte di una grande composizione scritta per un coro professionale. Pertanto queste condizioni di tessitura saranno accettabili per l'intero coro.

Grado carico di lavoro vocale il coro è equivalente. Nella seconda frase, la melodia si sposta da una voce all'altra (soprano - tenore, basso), senza intoppi, saturando l'intera trama della composizione con colore ed espressività speciale. Nella terza frase il carico maggiore ricade sulle parti soprano e tenore. La linea di basso funziona come un pedale del coro. Ogni parte corale gioca un ruolo importante nella formazione della trama e nella relazione timbrica.

Specifiche qualità espressive timbriche sono inerenti alla parte del tenore. Questa è la parte più espressiva e vibrante della composizione. Nonostante il fatto che la voce melodica sia eseguita prevalentemente dalla parte del soprano, la parte del tenore ricorda costantemente se stessa. Movimenti espressivi brillanti (17,20,27tt), uso di suoni misti o falsetti dinamica tranquilla terza frase (27,29 volumi) - tutto ciò non può non attirare l'attenzione del direttore quando lavora con la parte corale e il coro.

N.V. Gogol una volta disse: "Non esiste shock più grande di quello che produce su una persona un accordo completamente coordinato di tutte le parti...". Parola francese « insieme"("insieme") in questo caso il "consenso" russo è il più appropriato. Nell'insieme nasce una nuova, speciale qualità artistica ed estetica. In quest'opera vengono alla ribalta la massima unità delle voci corali, l'equilibrio delle parti e dei gruppi negli accordi e nelle combinazioni verticali. Questo tipo di ensemble corale si chiama - monolitico.

Dinamico l'insieme della parte corale tende a un monolite. Per la maggior parte, durante l'intera opera incontriamo la dinamica immobile esibita dal compositore. Tuttavia nella terza frase ne troviamo anche una mobile (28-29tt). Nella battuta 16 c'è un divario abbastanza ampio tra le parti di soprano e di contralto (più di un'ottava). Ciò comporta una differenza nella dinamica: la parte del soprano nel registro acuto suona più ricca e brillante. Pertanto, si consiglia di intonare attentamente il salto nella parte del soprano sul suono “Sol”, trattenendo in qualche modo la dinamica nel registro superiore.

Nel lavoro ci incontriamo corale un ensemble che differisce da quello omofonico in quanto in esso l'elemento melodico è presente in tutte le voci, sebbene in quella superiore, di regola, la melodia sia più individualizzata. Identificare le intonazioni caratteristiche in ciascuna parte, dare loro rilievo, osservando rigorosamente la verticale armonica: queste sono le condizioni dell'insieme corale. Coro vocale musicale di Čajkovskij

Uno dei tipi più sottili di ensemble corale è il timbro. In questa composizione è necessario combinare il suono delle voci in modo che non vi sia diversità timbrica e allo stesso tempo si rivelino tutte le possibilità del colore corale. L'insieme timbrico della parte corale si fonde in coro generale. La combinazione di timbri di parti e gruppi è infinita nelle sue possibilità espressive. Qui si aprono enormi opportunità nella ricerca del suono. È importante ascoltare, vedere ed evidenziare tutto il meglio e il necessario per l'incarnazione più vivida dell'immagine della composizione.

Pulito costruire- primo e qualità più importante canto corale. Molti fattori contribuiscono allo sviluppo e al mantenimento della struttura corale pura. La struttura a cappella si basa sulle caratteristiche modali e armoniche dell'intonazione della musica, sui suoi schemi acustici. Il sistema temperato si distingue per l'equilibrio dei rapporti intervallari, che ne ottiene l'isolamento e la possibilità di enarmonismo. Diamo un'occhiata ad un esempio:

Nella terza battuta il suono “Gis” nella parte della viola è intonato in modo stretto, come tutti gli intervalli piccoli. Va notato che questo suono è la terza maggiore dell'accordo e deve suonare accurato. Già nella quarta misura questo suono si risolverà nuovamente nel suono “A” e le parti di soprano e contralto si fonderanno all'unisono. Questo dovrebbe essere fatto con estrema attenzione e precisione. Un luogo altrettanto semplice nel piano dell'intonazione è la battuta 12, dove il “Dis” cromatico suona dopo il “Re” puro nella parte del soprano. Inoltre il suono cromatico appare immediatamente nella parte del tenore. È importante eseguire sia l'uno che l'altro esattamente in altezza, in modo che non ci siano sovrapposizioni nelle parti. Consideriamo un altro esempio molto importante. Nella battuta 17, nella parte della viola, si ripete due volte la seconda intonazione dal suono “Gis” al suono “a”. In questi casi c'è spesso il pericolo di abbassare leggermente il secondo suono “LA”. in questo caso si consiglia di intonare ogni coppia successiva con tendenza all'aumento. Solo in questo caso l'unisono “LA” nelle parti di soprano e contralto avrà un'intonazione precisa.

Passiamo a un'altra cosa niente di meno questione importante- domanda dizione nel coro. A questo concetto spesso non viene prestata la dovuta attenzione e, di conseguenza, il suono del coro, la percezione della musica da parte dell'ascoltatore e molto altro ne risentono. Nella prima frase non osserviamo particolari difficoltà nella pronuncia del testo. Ogni parola è verticalmente la stessa in tutte le parti corali. Pertanto, qui è necessario prestare attenzione solo alla pronuncia chiara delle consonanti “P”, “M”, ecc.

Nella quinta battuta si consiglia di pronunciare la parola “bless” con una certa aspirazione per ciascuna vocale, in modo che al momento della pronuncia dell'ultima il tempo della composizione non venga ritardato. Le vocali devono essere subordinate a un unico modo “raccolto” di produzione del suono. Ci sono differenze nel sottotesto nella seconda e terza frase. Ciò è dovuto al fatto che la trama poetica principale è già stata data, il testo principale è stato letto, quindi è sbiadito, colorato con mezzi musicali e ripetizione semantica associata al contenuto del verso. La parola “Dio” dovrebbe essere enfatizzata dolcemente, senza enfasi dinamica. Altrimenti, dovresti garantire l'accuratezza nell'esecuzione delle vocali e la chiarezza delle consonanti.

Ordito buon suono- corretto fiato canoro. Il tipo principale di respirazione e canto è considerato quello diaframmatico costale inferiore. Una delle condizioni principali per una corretta respirazione nel canto è la completa libertà della parte superiore. Petto e collo. In questo lavoro usiamo la respirazione in frasi. Nella prima frase, l'inalazione viene eseguita in pause. Nella seconda metà del secondo e nel terzo - respirazione a catena.

In tutto il saggio viene utilizzato un tono morbido. attacco sonoro. Il respiro viene preso con calma. La sua durata è pari alla durata della metrica reale a questo ritmo. La trattenuta del respiro è minima in modo che i legamenti si chiudano delicatamente. Nello stesso momento, il respiro, senza spingere o premere, toccando delicatamente i legamenti, produce il suono desiderato.

L'opera "We Sing to You" può essere eseguita da quasi tutti i cori: medi, grandi e persino piccoli (nella pratica della chiesa). Ma bisogna tenere conto del fatto che la liturgia nel suo insieme è eseguita da un coro abbastanza numeroso alto livello preparazione. Questa composizione è stata scritta per l'esecuzione da parte di un gruppo professionale.

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Piano di analisi della partitura corale

Informazioni generali sull'opera: è esatta e nome dettagliato. Anno di creazione. Informazioni sugli autori della musica e del testo. Tipo di opera corale (coro a "sarella o con accompagnamento). Genere corale (miniatura, coro di grande formato, arrangiamento, arrangiamento, parte di oratorio, cantate, suite, coro d'opera, palcoscenico corale, ecc.). Se analizzato l'opera fa parte di una composizione più ampia, dovresti caratterizzare brevemente le sue parti rimanenti per avere un'idea del contenuto generale dell'opera (la composizione degli esecutori, il numero e i nomi delle parti).

Brevi informazioni sull'opera del compositore. Anni di vita. Caratteristiche generali creatività. Grandi opere. Una descrizione più dettagliata della creatività corale.

Testo letterario

Presentazione di un testo letterario (scrivere tutto il testo utilizzato in questo lavoro).

Il contenuto di un testo letterario, il suo tema, l'idea. Immagini, forma di presentazione, dimensione (numero di strofe, distici, ecc.). Confronto del testo utilizzato per realizzare l'opera corale con l'originale letterario, i cambiamenti avvenuti e le loro ragioni. Se il testo utilizzato dal compositore è un frammento di un'opera letteraria (poesia, poema, ecc.), è necessario fornire una descrizione generale dell'intera opera. Il rapporto tra testo letterario e musica. Il grado di corrispondenza tra il contenuto di un testo letterario e il contenuto della musica e la forma di un'opera corale. Il rapporto tra la struttura di un testo letterario e la forma di un'opera corale.

2. Analisi teorico-musicale

Determinazione della forma dell'opera: una parte (periodo), versi, variazione in versi, due parti (semplici, complesse), tre parti (semplici, complesse), strofiche, variazioni, rondò, sonata, ciclo. Caratteristiche dell'uso della forma tradizionale da parte del compositore quando traduce la sua idea in una determinata opera (dimensione e rapporto delle parti, ecc.).

Caratteristiche della melodia del tema: carattere, intonazione, caratteristiche strutturali ritmiche e modali. Distribuzione del materiale musicale e tematico tra le parti corali.

Tempo, sue deviazioni, determinazione del contenuto semantico del tempo, ritmo del metro e dimensione dell'opera. Analisi delle deviazioni del tempo.

Analisi delle caratteristiche tonali modali dell'opera, caratteristiche del piano tonale (tonalità principale, deviazioni, modulazioni), caratteristiche modali (uso da parte del compositore di modi diatonici popolari o svolte modali caratteristiche).

Circuito orologio di analisi armonica: analisi dettagliata armonia con la notazione delle funzioni generalmente accettata e il nome di ciascun accordo.

Caratteristiche della tessitura corale (armonica, omoarmonica, polifonica, mista); il suo rapporto con il contenuto dell'opera e con i mezzi espressivi del coro.

Il ruolo e il significato dell'accompagnamento (per le opere accompagnate).

corale letterario modale tonale vocale

3. Analisi vocale e corale

Determinazione del tipo, del tipo e della composizione del coro, delle gamme delle parti corali e del coro nel suo insieme (esempi musicali), tessitura, grado di carico vocale del coro e delle singole parti corali, ruolo delle varie parti nell'opera ( esecuzione del materiale melodico principale, voci secondarie, accompagnamento).

Tecniche di presentazione corale (tutti, uso di gruppi corali incompleti, divisi, confronto, inclusione graduale, duplicazione, incrocio, tecniche coloristiche).

Identificazione delle specifiche della respirazione del canto (in frasi, catena), la natura del suono (“leggero”, “scuro”, ecc.), Le tecniche della scienza del suono (legato, non legato, marcato, staccato).

Analisi delle caratteristiche della struttura corale. (Identificazione dei momenti più difficili in termini di intonazione, tenendo conto degli schemi di struttura melodica (orizzontale) e armonica (verticale). Breve descrizione delle tecniche metodologiche per superare le difficoltà di intonazione.

Analisi delle tipologie e tipologie d'insieme (generale e particolare, naturale - artificiale, melodico, dinamico, ritmico, dizione, timbro, tempo).

Analisi delle caratteristiche del dizionario dell'opera. Basato sull'analisi del testo letterario breve descrizione metodi di lavoro sulla dizione (tenendo conto del sottotesto, del canto senza testo, ecc.).

Determinazione del numero di membri del coro necessari per eseguire una determinata opera (grande, piccola, media) e le loro qualifiche (professionale, esperto, amatoriale, principiante).

4. Analisi delle prestazioni

confronti di testi letterari e musicali basati sul rapporto tra frasi musicali e letterarie;

individuare il ruolo e il significato dei mezzi espressivi musicali utilizzati dal compositore (tempo, agogica, dinamica, fraseggio); determinazione del climax dinamico e semantico generale (la relazione tra il climax generale e particolare nell'opera).

Individuazione di specifiche difficoltà esecutive in relazione alle peculiarità del genere e della forma dell'opera (miniatura corale, grande forma vocale-strumentale, strofa, ripresa, ecc.). Determinazione del principio di prestazione di base caratteristico (per un dato lavoro) (integrità, continuità di sviluppo, episodicità, dettaglio, periodicità, ecc.).

Selezione e descrizione delle tecniche di direzione necessarie per un maestro di coro lavoro pratico con il coro, durante un'esecuzione concertistica, determinando la natura del gesto del direttore (spezzati all'introduzione, ritiro; tecniche di esecuzione delle parti schiacciate, fermate, respirazione; ecc.).

Dichiarazione del proprio piano di prestazione (interpretazione del lavoro).

Determinazione dei momenti più importanti e dispendiosi in termini di tempo nel lavoro che richiedono particolare attenzione durante il processo di prove, metodi di lavoro efficace su di essi (solfeggio, trasposizione, ecc.).

Conclusione

Identificazione di alcune caratteristiche stilistiche dell'opera del compositore in una determinata opera (usando l'esempio del confronto di un'opera con le altre sue opere).

La presenza di diverse edizioni della partitura, le ragioni della loro occorrenza e la loro analisi comparativa.

Confronto dell'opera analizzata con opere di altri autori scritte sullo stesso testo.

Impressioni da un possibile ascolto (dal vivo).

Confronto tra diverse interpretazioni della prestazione.

Determinare il proprio atteggiamento nei confronti del lavoro studiato.

5. Requisiti generali alla preparazione di un'analisi scritta di un'opera corale

L'opera è stampata su un lato di un foglio di carta bianca A4, secondo lo standard pertinente, con un'interlinea da una riga e mezza a due. Il margine sinistro è 30 mm, il margine destro è 10 mm, il margine superiore è 15 mm e il margine inferiore è 20 mm. Testo 14 carattere Times New Roman.

Il volume totale dell'analisi del corso dovrebbe essere di almeno 15-20 pagine di testo stampato, la tesi - 25 pagine. La maggior parte del lavoro è occupata dall'analisi vocale e corale, ma tutte le parti dovrebbero essere approssimativamente proporzionali tra loro. È necessario utilizzare esempi musicali nel testo su carta da musica con inchiostro (solo pasta nera), che viene poi inserito (incollato) man mano che viene presentato il testo dell'opera.

Tutti gli esempi musicali sono numerati con numeri arabi in tutto il testo. Sopra l'angolo in alto a destra degli esempi, posizionare la scritta “Esempio...” indicante il numero di serie senza il segno “No” prima del numero e senza punto dopo.

L'intero testo dell'opera è suddiviso in capitoli. I titoli delle parti strutturali dell’opera sono scritti in maiuscolo, carattere 16 Times New Roman ed evidenziati in corsivo grassetto: “Informazioni generali sull’opera e sui suoi autori”, “Analisi teorica musicale”, “Analisi vocale e corale”, “Esecuzione dell'analisi”, “Conclusione” ", "Elenco delle fonti utilizzate", "Appendici". Ogni nuovo capitolo inizia su una nuova pagina.

La numerazione delle pagine inizia a pagina 3 ed è posizionata in basso al centro di ciascuna pagina. Il frontespizio e il contenuto non sono numerati.

L'analisi di un'opera corale dovrebbe iniziare dal frontespizio.

Dopo il frontespizio il testo successivo deve avere un titolo. Il sommario (sommario) dovrebbe essere posizionato nella seconda pagina.

L'elenco delle fonti utilizzate dovrebbe essere costruito secondo il principio alfabetico e consistere in 15-25 opere studiate in modo indipendente (di natura informativa, di riferimento, teorica e metodologica).

Le appendici delle note sono poste dopo l'elenco delle fonti utilizzate. Ogni applicazione dovrebbe iniziare su una nuova pagina. Le domande non sono incluse nell'ambito del lavoro.

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