보컬 작업 분석. 성악분석 계획
연극 전체의 비유적이고 감정적인 성격, 프로그램(있는 경우). 장르의 특징. 형태, 주요 음조. 연극의 주요 부분(주로 주제별 자료)의 음악에 대한 비유적이고 감정적인 성격과 가장 중요한 표현 수단입니다. 개발의 역동성(명확하게 표현된 경우)은 구현의 가장 중요한 수단입니다. 형질극중 작곡가의 스타일. 해당 전통과 연극의 연결.
미니어처의 도구주기 분석.
주기, 프로그램의 비유적이고 감정적인 성격(가능한 경우). 사이클 구성. 비유적인 성격과 장르적 특성에 따라 주기에 포함된 연극을 그룹화합니다. 한 주기로 연극을 결합하는 가장 중요한 수단. 이 사이클에 포함된 일부 연극의 일반적인 비유적이고 감정적인 성격과 음악 표현의 가장 중요한 수단입니다. 작곡가의 작품에서 순환의 의미. 사이클에서 작곡가 스타일의 특징. 주기와 전통 사이의 연결.
보컬 미니어처 분석.
보컬 미니어처를 분석할 때 "악기 미니어처 분석" 섹션의 계획에 따라 다음 사항을 보완해야 합니다.
언어적 텍스트와 음악의 관계. 성악부분과 악기부분의 관계와 그 의미. 보컬 및 악기 부품 창고.
미니어처의 보컬주기 분석.
미니어처의 보컬 주기를 분석할 때 "미니어처의 악기 주기 분석" 섹션의 계획을 따르고 다음 사항을 보완해야 합니다.
언어적 텍스트와 음악의 관계. 성악부분과 악기부분의 관계와 그 의미. 보컬과 악기 파트의 주된 구성입니다.
소나타-교향악 주기 형식으로 작곡된 기악 작품 분석.
작품 전체의 비유적이고 감정적인 성격, 프로그램(있는 경우). 장르의 특징. 사이클의 구성, 기본 키. 주기의 각 부분의 내용, 구조 및 음악적 언어: 전체 부분의 비유적이고 감정적인 성격과 주요 장르 특징, 주기의 극작에서의 역할; 악장의 형태와 주요 음조; 비 유적 감정적 성격과 악장의 주요 부분 (주로 주제별 자료)의 가장 중요한 음악 표현 수단; 부분 전체 및 개별 섹션(명확하게 표현된 경우)의 개발 역학은 구현의 가장 중요한 수단입니다. 루프에서 부품을 결합하는 가장 중요한 수단입니다. 작곡가의 작품에서 작품의 의미. 작품 속 작곡가 스타일의 특징. 작품과 전통 사이의 연결.
대규모 단악장 악기 작품 분석.
작품 전체의 비유적이고 감정적인 성격, 프로그램(있는 경우). 장르의 특징. 형태, 주요 음조. 작품의 주요 부분(주로 주제별 자료)의 비유적이고 감정적인 성격과 음악의 가장 중요한 표현 수단입니다. 작업 전체 및 개별 섹션의 개발 역학(명확하게 표현된 경우) 작곡가의 작품에서 작품의 의미. 작품 속 작곡가 스타일의 특징. 작품과 전통 사이의 연결.
오페라 분석.
구성. 장르의 특징. 언어적 텍스트, 극적인 행동 및 음악의 관계. 드라마투르기의 특징(뮤지컬 드라마의 원리의 중요성, 액션의 속도, 극적, 서정적, 서사적 요소의 비율, 군중 장면과 소수의 등장인물이 참여하는 장면의 비율). 성악과 관현악 파트의 관계와 그 의미. 보컬 멜로디의 주요 유형. 구성. 음악 형성 원리의 중요성. 오페라의 일부(숫자, 장면, 그림, 막)를 결합하는 음악적 수단입니다. 주인공을 특성화하는 가장 중요한 음악적 수단(중요한 군중 장면이 있는 경우 및 이러한 장면에서 사용되는 특성화 수단). 구현의 가장 중요한 수단인 기본 이미지 개발의 역학(명확하게 표현된 경우)입니다. 작곡가의 작품에서 작품의 의미. 작품 속 작곡가 스타일의 특징. 작품과 전통 사이의 연결.
오라토리오와 칸타타 분석.
오페라와 극적으로 유사한 오라토리오와 칸타타를 분석할 때(비교적 전개된 줄거리의 존재, 문자) "오페라 분석" 섹션의 계획을 따라야 합니다.
다른 오라토리오와 칸타타의 분석은 다음 계획에 따라 수행됩니다.
플롯 기반. 장르의 특징. 언어적 텍스트와 음악의 관계. 극적, 서정적, 서사적 요소, 솔로(앙상블) 및 합창 에피소드(번호, 장면) 간의 관계. 성악부분과 악기부분의 관계와 그 의미. 보컬 멜로디의 주요 유형. 구성. 부품을 결합하는 음악적 수단. 기본적인 이미지를 구현하는 가장 필수적인 음악적 수단. 구현의 가장 중요한 수단인 기본 이미지 개발의 역학(명확하게 표현된 경우)입니다. 작곡가의 작품에서 작품의 의미. 작품 속 작곡가 스타일의 특징. 작품과 전통 사이의 연결.
또한 교사의 지시에 따라 오라토리오(칸타타)의 일부 또는 전체 부분을 다음 계획에 따라 분석할 수 있습니다.
줄거리 기반, 비유적이고 감정적인 성격, 부분 전체의 장르 특징; 작품의 극작에서의 역할; 악장의 형태와 주요 음조; 비 유적 감정적 성격과 부분의 주요 섹션 (주로 주제별 자료)의 가장 중요한 음악 표현 수단, 부분의 개발 역학, 전체 및 개별 섹션 (명확하게 표현되는 경우).
시험 문제
모르도비아 공화국 교육부
GBOU RM SPO (SSUZ) "Zubovo-Polyansky 교육 대학"
“성악 및 합창 작품에 대한 서면 주석”
편집자: VKK 교사 Savina N.S.
주보바 폴리아나, 2013
설명 메모.
미래의 음악 교사(초등학교)의 분석 작업 형태 중 하나는 성악 및 합창 작품에 대한 서면 주석입니다. 이 작품성악 및 합창 작업이 교사의 창작 활동에서 큰 위치를 차지한다는 점에서 관련이 있습니다(학생들은 이러한 유형의 음악 활동에 기꺼이 참여합니다). 수업 계획을 작성할 때 교사는 노래 작업의 첫 번째 단계인 준비 단계에 많은 관심을 기울입니다. 정확히 켜짐 준비 단계교사는 이미지, 내용의 접근성, 성악 및 합창 기술의 형성 순서 측면에서 성악 작품을 고려하고 작품에 대한 구체적인 방법과 기술을 개략적으로 설명하면서 음악 작품에 대한 성악 및 합창 분석을 수행합니다.
예술적, 공연적 업무를 수행하기 위해 미래의 전문가는 음악적, 시적 자료를 이해하는 다양한 방법(분석, 비교, 병치, 일반화 등)을 숙달해야 하며, 이는 긴밀한 상호 연관이 있습니다. 주석 과정에서 위의 방법을 사용하여 자기 교육 능력의 형성을 촉진합니다. 방법론적 개발은 다음을 기반으로 만들어졌습니다. 과학 작품합창 지휘자, 이론가 : E. Dyganova, L. Bezborodova, P. Chesnokov, B. Tevlin 등.
주석의 목적: 학생이 독립적인 합창단 연주 작업을 준비하도록 합니다.
작품을 작성하는 과정에서 다음 작업이 해결됩니다.
자기 교육 기술 및 능력 습득 독립적인 작업문헌, 분석, 사실의 비교 및 체계화, 일반화 및 결론;
전문 용어를 익히세요.
전문적인 전망의 형성;
독립적인 합창단 지휘 활동을 위해 학생들을 준비시킵니다.
이 작업은 두 섹션으로 구성됩니다. 첫 번째 섹션은 "학교 레퍼토리에 있는 노래에 대한 주석 편집에 대한 권장사항"입니다. 교가 배우기"; 두 번째 섹션은 "학교 레퍼토리의 합창 작품에 대한 주석 편집에 대한 권장 사항"(중학교 및 고등학교)입니다.
- 섹션 "학교 레퍼토리의 노래에 대한 주석 편집에 대한 권장 사항. 교요를 배워요."
학생들의 독립적인 작문 작품의 첫 번째 형태는 학교 레퍼토리에 포함된 작품에 대한 짧은 서면 주석입니다. 이러한 전문적인 분석 작업은 다음 계획에 따라 수행됩니다.
1. 식별 및 정의:
작품의 감정적, 의미적 내용과 표현 수단
특징 및 어려움 식별
교육 과제: 교육, 교육, 발달, 형성.
2. “교가 배우기”에는 다음이 포함됩니다.
학생에게 제공되는 질문 및 제안된 답변을 포함하여 내러티브 형식으로 수행되는 입문 대화 요약(노래 작성자에 대한 정보, 내용, 음악의 성격 분석)
리허설 계획에는 노래를 보여주고 이야기를 나눈 후 모든 학습 요소가 포함됩니다.
예를 들어:
첫 번째 프레이즈를 들어보세요(음성 및 악기 연주). 나와 함께 첫 번째 문구를 반복하세요.
우리는 한 사람으로서 노래합니다(동일한 소리를 얻습니다).
리듬에 맞춰 단어를 발음해 봅시다(딕셔너리 작업).
두 번째 문구를 듣고 첫 번째 문구(음악적 기억력 발달)와 비슷한지 판단하세요.
연주 계획에는 템포, 노래의 다양한 절의 역동적인 변화, 프레이징, 개인 및 일반 클라이맥스, 사운드 디자인의 특성(획), 악센트, 일시 정지, 논리적으로 강조되는 단어 등이 반영됩니다.
주석을 작성할 때 음악에 대한 더 깊은 연구를 위해 다음 구성표를 사용할 수 있습니다.
- 수업 주제(분기)에서 노래의 위치와 의미.
- 소개(노래의 역사, 작가에 대한 정보, 관련 예술 유형).
- 노래 부르는 팁.
- 인상을 명확히 하기 위한 질문: 음악은 어떤 영향을 미치고, 어떤 음악적 이미지를 갖고 있으며, 음악은 무엇을 표현합니까?
- 음악의 발전을 관찰하고 클라이맥스를 결정합니다.
- 반주에 적합한 악기를 선택합니다.
- 형태의 정의(왜 이 구성인가?)
- 어떤 종류의 관련 예술품을 사용할 수 있나요?
- 실행 계획을 작성합니다.
- 작업의 어려움과 이를 극복하는 방법을 나타냅니다.
- 멜로디와 반주의 관계?
- 음악적 표현의 수단을 식별하는가?
- 업무 정의(교육, 훈련, 발달)
- 숙제이 작업과 관련하여.
- 음악과 삶의 연결을 결정합니까?
- 이 작가들의 작품 목록은?
- 이 작품을 이렇게 부르는 이유는 무엇이며 어떤 영역에 속할 수 있습니까?
- 이 작품의 현대적인 점은 무엇입니까?
- 학생들의 어떤 음악적 능력, 능력, 기술이 이 작품에 대한 인식에 기여합니까?
- 이 음악 자료를 공부하는 데는 어느 학년이 더 적합합니까?
- 이 작품의 창작 기간과 관련된 작곡가의 삶의 어떤 요소를 사용하여 학생들의 관심을 끌고 이 작품에 대한 더 깊은 인식을 보장할 수 있습니까?
다음 학생 주석이 그 예입니다.
E. Grieg의 로맨스 "Sunset"에 대한 요약입니다.
“세계인의 음악”이라는 주제를 연구하면서 노르웨이 작곡가 E. Grieg “Sunset”의 로맨스에 대해 알게 되었습니다. 이 작품은 표현한다. 깊은 사랑그의 본성에 맞는 작곡가.
작품은 운문 형식으로 작성되었지만 동시에 "음악의 구성 (형식)"이라는 주제를 공부할 때 구절에서 첫 번째 부분의 전공과 두 번째 부분의 부전공을 통해 이 로맨스를 두 부분으로 구성된 형식으로 명확하게 인식할 수 있습니다. 억양의 순수성을 연구할 때 곡 연주의 어려움에 주의해야 하는데, 이는 멜로디에 점프가 많이 있다는 사실에 있습니다(완전 4도, 완전 5도, 단6도, 마이너 7도 등), 특별한 관심메이저 초와 마이너 초의 간격 구성이 필요합니다. 리듬은 단순하며 3회 이하로 번갈아 가며 진행됩니다. 보컬 퍼포먼스는 자연스럽고 명확해야 합니다. 범위는 한 옥타브를 넘지 않습니다. 작품의 박자는 12/8로 음악에 부드럽고 왈츠 같은 성격을 부여합니다. 구절의 첫 부분에 있는 장조(나 장조)는 구름을 뚫고 나오는 햇빛처럼 음악에 더 가볍고 부드러운 성격을 부여합니다. 두 번째 부분의 단조는 특별한 부드러움과 부드러움, 감동을 선사합니다. 이 작업의 정점은 "아들.."이라는 단어에서 발생합니다. 마치 작곡가가 잠든 자연과 지구상의 모든 생명체에게 '자장가'를 부르는 것처럼 말입니다. 작품의 이미지를 좀 더 깊이 있게 전달하기 위해 2부 다음 구절 "자작나무가 간신히 속삭인다.. 꿈은 땅의 아들들에게 찾아온다..."라는 문구를 넣었다. 연쇄호흡으로 노래하는 것이 좋습니다. 그리고 "곧 태양이 주홍 줄무늬 뒤로 사라질 것입니다"라는 텍스트의 말과 그에 따른 도구적 결론이 이 그림을 놀랍게 완성합니다.
E. Grieg의 로맨스 "Sunset"을 배우십시오.
이 작곡가의 어떤 작품을 기억하시나요? (아이들의 답변) (작품 '아침'의 일부 녹음에이야기) 트롤하우젠(Trollhausen) 사유지는 그림처럼 아름다운 해안에 조용히 위치해 있습니다. 아름답고 거친 자연에 가까운 침묵과 고독 속에서, 훌륭한 삶노르웨이 작곡가 E. Grieg는 노르웨이 음악의 첫 번째 고전이자 노르웨이 국립 음악의 창시자입니다. 100년이 넘는 세월 동안 그의 음악은 시적이고 자발성으로 청취자들을 사로잡았습니다. 노르웨이는 강하고 용감한 사람들의 나라입니다. 19세기 중반에는 노르웨이의 민족 문화가 꽃피웠습니다. E. Grieg는 1843년에 큰 해변 도시 베르겐에서 태어났습니다. Grieg의 가족은 음악에 대한 열정적 인 열정을 지배했습니다. 그의 어머니는 피아니스트였으며 도시 콘서트에서 자주 연주했으며 그의 형인 John은 첼로를 연주했습니다. 어린 시절부터 Grieg는 음악과 노르웨이의 자연을 좋아했으며 나중에 그의 작품에서 비유적이고 시적으로 찬미했습니다. 그는 종종 숲과 마을을 돌아 다니며 그의 음악의 기초가되는 자연의 소리와 민요, 리듬과 억양을 들었습니다. 학교를 졸업한 후 그는 독일 라이프치히로 갑니다. 독일에서 교육을 받고 노르웨이로 돌아온 그는 노르웨이 국가 문화 발전에 모든 힘을 쏟습니다. 작곡가, 피아니스트, 지휘자로서 Edvard Grieg의 명성은 빠르게 성장했습니다. 그는 많은 콘서트를 열었고 나중에 그의 친구가 된 러시아 작곡가 P.I. P.I. Tchaikovsky와 Edvard Grieg의 음악은 아름다움, 성실함, 시 및 자연에 대한 사랑으로 통합되었습니다. 그들은 본성의 "가수"라고 불렸습니다. 차이코프스키는 노르웨이어를 몰랐고 에드바르 그리그는 러시아어를 몰랐지만 번역이 필요 없는 음악 언어로 의사소통했습니다. |
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오늘 저는 E. Grieg의 작품 중 하나를 듣고 배울 것을 제안합니다(제목은 발표되지 않았습니다). "일몰" - 듣기. 당신이 들었던 작품에 대한 대화. 이 작품에 대해 잘 알고 계시나요? 어느 작곡가의 작품인가요? 이 작품은 우리에게 무엇을 말해주는가? 작곡가는 하루 중 몇시를 묘사했습니까? 이 작품에는 어떤 감정이 표현되어 있나요? (자연은 수면을 준비하고 있으므로 음악은 사람의 해당 감정과 기분, 즉 평온함, 부드러움, 평화의 느낌을 표현합니다 (여기서만 작품 제목이 발표됩니다). U. 아름다운 자연 현상 - 일몰은 많은 예술가들에게 큰 사랑을 받고 있습니다. 그리고 세계 회화의 역사를 통틀어 저녁 노을을 묘사한 수천 개의 그림이 그려졌습니다. I. I. Levitan "Summer Evening"의 그림 분석 U. 러시아 예술가 I. Levitan의 그림을보세요. 작가는 하루 중 몇 시를 묘사했습니까? 왜 그렇게 생각하시나요? 이 그림에서는 어떤 색상이 주를 이루고 있나요? 전경에는 무엇이 표시되나요? (울퉁불퉁한 기둥으로 울타리를 치고 넓은 들판과 숲이 있는 황량한 마을 외곽) 중간 지점에는 무엇이 표시되나요? (맑은 숲이 매력을 느끼고 손짓하며 차가운 황혼의 그림자에서 벗어나 그곳으로 달려가고 싶습니다) 이 길은 어디로 가는 걸까요? (어쩌면 미지의 세계로 가는 길이 아닐까 아름다운 세상또는 “영원으로 가는 길”). |
U. 일몰이 아름다운 이유는 무엇인가요? 아마도 놀라운 아름다움의 사진을 관찰할 수 있는 것만이 아닐 것입니다. 시간이 중요해요! 우리는 하루가 끝날 무렵 일몰을 봅니다. 그날은 어땠나요? 그는 우리에게 기쁨을 가져다 주었을까, 아니면 슬픔을 가져다 주었을까? 우리 자신이 다른 사람의 이익을 위해 선한 일을 했습니까, 아니면 반대로 나쁜 일을 저질렀거나 누군가를 화나게 했습니까? 그러한 생각은 아침에 떠오르는 것이 아닙니다. 그것은 희망과 계획을 위한 것입니다. 하루는 걱정과 사업으로 바쁘게 지나갑니다. 해가 수평선 아래로 지면 결과가 요약됩니다. 지금은 삶, 자연의 아름다움과 영원함, 그 안에서 우리의 위치에 대해 생각할 때입니다. 이 시간이 시인과 예술가에게 영감을 준 영혼의 분위기와 밀접하게 연결되어 있다는 것은 아무것도 아닙니다. I. Levitan의 볼가 그림은 서정시라고 불립니다. 그 중 다수는 지는 해의 반사가 하늘과 조용한 물 표면을 물들이는 순간(“Evening. Golden Reach”), 수도원 건물과 물에 반사되는 순간(“Evening Bells”)을 묘사합니다. 진홍색 단풍 ( "여름 저녁").
(음악 작품에 대한 더 깊은 인식을 위해 사진 분석이 이루어졌습니다)
유. 그리고 이제 우리는 이 작품을 다시 듣고, 이 그림의 분위기와 음악에 표현된 감정을 다시 한 번 느끼고, 이 로맨스의 멜로디도 기억하려고 노력할 것입니다.
음악을 반복해서 듣습니다.
로맨스를 배우다
여러 번의 반복과 새로운 과제를 통해 로망스 문구를 한 구절씩 배워나가고 있습니다. 멜로디의 정확한 억양, 조음, 딕션, 소리 연출, 호흡 등에 특히 신경을 씁니다. (학습의 어려움은 작품 주석에 표시되어 있습니다). 나는 음악을 배우는 모든 작업을 음악의 이미지와 연관시킵니다.
E. Grieg의 로맨스 "Sunset"의 표현력에 대한 작업이 진행되는 방법은 다음과 같습니다. “저녁에는 그림자가 길지만 당신의 그림자는 짧습니다. 떨어뜨렸는데 그런 그림자에 감탄하고 싶지 않아요. 좀 더 부드럽게 만들어서 노래해 보세요.
두 번째 문구 "To the Earth"다음에는 흙이 많지 않았고 여기에 성가가 있지만 당신은 그것을 수행하지 않았습니다. 베일(Veil) - 아(A) - 온 땅을 어둠으로 뒤덮기 위해 깊이 노래한다.
첫 번째 구절을 배운 후에는 다음 사항을 생각해 볼 수 있습니다.
한밤의 침묵 속에서
자작나무가 작게 속삭이고 있어요.
꿈은 땅의 아들들에게 임하고,
꿈이 전 세계에 불고 있습니다.
당신에게는 침묵이 없습니다. "나" - 노래하고 "sh" - 거의 들리지 않게 노래합니다. 많은 모음과 몇 개의 자음이 있어야합니다... "아들에게"-E. Grieg가 사람들을 어떻게 사랑하는지보세요. "A"는 다시 깊고 "꿈이 불고 있습니다"- 파도처럼 부드럽게. 작곡가가 우리와 공유하는 감정이 무엇인지 들으실 수 있으므로 그리그가 경험한 방식으로 노래해 보세요. 자연의 아름다움, 감정의 깊이를 전해보세요.
활동 수행에서 자신의 개성을 표현하는 방법에 대한 아이들의 숙달은 다양한 감정 상태를 축적하고 "살아가는" 과정에서 이루어져야 하며, 이에 대한 끊임없는 "훈련"은 새로운 특성, 즉 창의적, 문화적, 영적 성격으로의 발전을 제공합니다.
- 섹션 "학교 레퍼토리의 합창 작품에 대한 주석 편집에 대한 권장 사항.
주니어 합창단의 레퍼토리는 운문 형식과 함께 더욱 복잡합니다. 학생들은 다양한 장르의 합창 음악을 접하게 됩니다:
민요(캐논, 합창, 사렐라, 2성부 노래);
노래 다른 나라평화;
자국 작곡가의 노래
클래식 작곡가의 노래;
애국가;
테마곡.
고등학교에서는 합창 연주 경험이 쌓이면서 점차 레퍼토리가 더욱 복잡해집니다. 여기에서는 개별 작곡가의 작품 연주 스타일에 대해 연구하고 있습니다. 음악적 언어다른 시대, 다성음악의 발전.
따라서 학교 레퍼토리의 합창 작품에 대한 주석을 편집하는 것은 학생의 독립적인 작업에서 더 어려운 단계입니다. 합창 악보에 대한 포괄적인 연구 기술이 필요합니다. 주석을 작성할 때 다음 구성표를 제안할 수 있습니다.
3. 이 어린이 합창단 작곡가의 주요 작품.
4. 일반 정보작품 정보: 작품의 전체 제목, 음악이 쓰여진 연도(기간), 가사의 저자, 연주자의 구성.
5. 합창 장르의 특징은 합창 미니어처, 합창 노래, 합창 로맨스, 민요 편곡 또는 편곡 등일 수 있습니다. 음악작품이 민요의 편곡이거나 성악곡의 편곡인 경우, 작품의 원형을 그대로 특성화하고, 합창곡이 원작과의 변화 정도를 분석할 필요가 있다.
6. 작품 분석 : 내용, 주인공. 작품의 부분(형태), 각 부분의 성격. 문학텍스트와 음악형식의 관계.
7. 작품의 표현 수단: 멜로디의 성격, 조성, 템포.
8. 조화 언어, 음조 편차, 변조의 특징. 멜로디와 반주의 리듬구조의 특징.
9. 합창단의 종류와 형태, 질감의 특징, 각 파트의 멜로디 라인의 성격. 전체 합창단과 개별 합창 파트의 범위.
10. 합창단의 "발전" 정도를 고려하여 특정 학교 수업의 합창단과 함께 작업할 때 작품을 사용할 가능성을 결정합니다.
11. 특정 학령기의 합창단이 작품을 배울 때 직면할 수 있는 억양, 리듬, 어법, 보컬 및 기타 어려움. 이러한 어려움을 극복하는 방법.
12. 합창단이 작업을 통해 습득한 보컬 및 합창 기술.
13. 연주 분석(음악 작품에 대한 자신의 해석을 정당화하는 것을 목표로 함)
합창곡을 작업할 때 다음과 같은 학습 방법을 권장할 수 있습니다.
- 작품을 비교적 완성도가 높은 작은 부분으로 나누고 각 합창 부분을 개별적으로 연구할 뿐만 아니라 다양한 부분을 조합하여 연구합니다.
- 별도의 부분으로 노래할 때 학습된 부분을 닫힌 구조로 결합합니다. 합창단 전체도 마찬가지입니다.
- 보컬 및 합창 기술 작업 - 건전한 문화, 딕셔너리, 앙상블, 멜로디 및 화성 구조(내적 청력, 솔페깅, 발성, 다른 음절로 노래하기, 다른 키로 노래하기, 반주 유무에 관계없이 노래하기)를 통해 작품을 적극적으로 듣기 , 입을 다물고 노래하기, 리듬에 맞춰 악보의 화성 시퀀스 노래하기);
- 어려운 부분을 배울 때 특별한 음성 및 음악 청각 연습 사용
- 합창단과 함께 작업할 때 악기를 사용하는 행위
- 표현, 뉘앙스, 올바른 템포 찾기, 언어 텍스트의 감정적 표현 등 작품의 예술적 성능에 대해 작업합니다. 합창단의 공연 계획을 숙지합니다.
귀하의 훌륭한 작업을 지식 기반에 제출하는 것은 쉽습니다. 아래 양식을 사용하세요
연구와 업무에 지식 기반을 활용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.
게시 날짜 http://www.allbest.ru/
이 작품은 4성 혼성합창단을 위해 작곡되었습니다. 13번 마디와 14번 마디에서는 여성 합창단이 분할하여 노래함으로써 문학적 텍스트에 의미를 부여합니다. 합창 부분은 꽤 바빠요. 남자부에는 주제(3권, 4권, 5권, 10권)가 있습니다. 이는 멜로디 라인이 남성 부분으로 전환되고 강조되기 때문입니다.
합창 연주는 조화로운 통일성, 뚜렷한 대비의 부재, 균형, 수평에 대한 특별한 관심이 특징입니다. 성부 사이의 거리는 3도와 4도 사이에서 다양합니다.
전체 작품의 범위: 작은 옥타브의 "A"부터 두 번째 옥타브의 "E"까지.
소프라노 범위 1: (첫 번째 옥타브의 "F"부터 두 번째 옥타브의 "E"까지).
소프라노 범위 2: (첫 번째 옥타브의 "C"부터 두 번째 옥타브의 "C"까지).
알토 범위 1: (작은 옥타브의 "B"부터 첫 번째 옥타브의 "G"까지)
알토스 2 범위: (작은 옥타브의 "A"부터 첫 번째 옥타브의 "G"까지)
남성 합창단의 범위: (작은 옥타브의 "E"부터 첫 번째 옥타브의 "C"까지).
합창 파트와 합창단 전체의 테시투라는 매우 편안합니다. 단, 남성 합창단은 같은 음을 오랫동안 억양해야 하기 때문에 목소리가 긴장하게 들리고 억양이 감소합니다.
목소리의 멜로디 패턴은 매끄럽고 유연하며 급격한 상승 및 하강이 없습니다. 각 파트에서는 구와 문장에서 개별 의미 단어를 강조하면서 수평적인 멜로디를 유지하는 것이 중요합니다. 특히 남성 합창단과 알토 파트에서 한 소리로 노래하는 것이 어렵습니다. 옥타브 유니슨(8 t.)의 노래에도 주목할 가치가 있습니다. 5-8 t에서는 추가 기호 "A#, G#"가 나타나며, 이는 느린 템포로 노래하여 사운드를 올바르게 발음해야 합니다. 5, 6, 10 권의 남성 합창단 부분에서는 "temple", "light", 음절 "sam"을 천천히 노래하는 것이 좋습니다. 한 단어에 대해 4/8 길이의 구호가 있으므로 "입구"의 위험이 발생할 수 있습니다. 각 소리는 강조하면서 적극적으로 불러야 합니다. 여성 합창부(13권)에서는 조심스럽게 다른 조로 전환하여 베카르로 날카로운 전환을 노래합니다. "b3"과 같은 간격 점프가 더 일반적입니다. 음정의 순도를 위해 학습 중에 추가 노래가 필요한 간격 "ch4"도 있습니다.
이 작품은 마지막에 추가와 작은 발성이 있는 운문형식이므로 선율구조에 주목할 필요가 있다.
곡의 템포가 상당히 느려서 리드미컬한 어려움이 있습니다. 리듬 앙상블의 품질이 저하될 수 있습니다. 합창단 멜로디 보컬 사운드
작품의 사전 특징: 명확한 발음, 두 문구의 끝과 시작 사이의 자음 분리(1-2권, 5-6권, 11-12권), 두 모음이 충돌할 때 소리의 어택(3-4권) , 8t., 14t.). 어려운 점은 점선 리듬(1-4 t., 9, 10, 12 t.)이 있다는 것입니다. 이 작품의 악장은 주로 8번째 지속시간으로 유지되며 절반 지속시간이 존재합니다. 모든 패턴을 정확하게 실행하고 전체 작업의 전반적인 템포-리듬적 개요를 유지하려면 조건부로 리드미컬하게 기간을 더 작은 기간으로 분할해야 합니다.
문학과 음악의 가사에 따르면 2절 1~2톤, 2절 3~4톤, 1절 5~6톤, 7~8톤의 연쇄호흡이 필요하다. 첫 번째와 두 번째 구절, 9-10 등. 다른 경우에는 짧은 휴지기를 취해야 합니다. 7-8 t에서 클라이맥스(9-12 t.)와 연결 템포에 변화가 있습니다. 두 번째 절은 속도를 늦추고 노래를 확장해야 합니다.
그루지야어에서 러시아어로의 텍스트 번역 사이의 연관성은 문학 텍스트의 문구 절정의 불일치로 인해 발생합니다. 주요 강세 음절과 음악 문구의 주요 억양 지점 사이에 불일치가 있습니다. 보컬 사운드의 성격은 절제되고 소울풀합니다. 작품의 음악적 이미지를 전달하기 위해 다양한 강약과 페르마타의 존재감을 활용합니다. 예를 들어, 두 번째 절의 7-8마디에서는 페르마타를 사용하여 절을 논리적으로 마무리하고 여성 합창단으로 전환합니다. 소리 연구의 주요 유형은 모든 음절이 서로 긴밀하게 "연결"되어야 하는 레가토(Legato)입니다.
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P.I. 차이코프스키의 "We Sing to You" 작품은 베이스 부분(작곡의 마지막 두 소절) 분할을 사용하여 4성부 혼성 합창단 아카펠라를 위해 작곡되었습니다.
합창단의 전체 범위:
E(메이저 옥타브) - G(두 번째 옥타브)
일반적인 범위합창단의 범위는 3옥타브 이상이지만 작업 범위는 2옥타브가 조금 넘습니다.
각 합창 부분의 범위를 개별적으로 고려해 보겠습니다.
소프라노:
알토:
테너:
따라서 마지막 두 소절에서 낮은 II 저음의 사용으로 인해 저음부의 음역이 가장 넓음을 알 수 있다. 그럼에도 불구하고 테시투라 조건이 합창 부분에서는 꽤 받아 들일 수 있습니다. 소프라노(16t)와 테너(17.27) 파트는 테시투라 부분에서 다소 불편함이 있습니다. 하지만 우리는 “We Sing to You”가 전문 합창단을 위해 작곡된 대규모 작곡의 일부라는 것을 알고 있습니다. 그러므로 이러한 테시투라 조건은 합창단 전체에 허용될 것입니다.
도 보컬 작업량합창단은 동등합니다. 두 번째 문장에서는 멜로디가 한 성부에서 다른 성부(소프라노-테너, 베이스)로 부드럽게 이동하여 작곡의 전체 질감을 색상과 특별한 표현력으로 포화시킵니다. 세 번째 문장에서는 소프라노와 테너 파트에 가장 큰 부하가 걸립니다. 베이스 라인은 합창 페달 역할을 합니다. 각 합창 파트는 질감 형성과 음색 관계에 중요한 역할을 합니다.
테너 부분에는 특정 음색 표현 특성이 내재되어 있습니다. 이것은 작곡에서 가장 표현력이 풍부하고 생생한 부분입니다. 멜로디 목소리는 소프라노 파트가 주로 연주한다는 사실에도 불구하고 테너 파트는 끊임없이 그 자체를 상기시킵니다. 밝은 표현 동작(17,20,27tt), 혼합 또는 가성 사용 조용한 역학세 번째 문장(27.29권) - 합창단과 합창단과 함께 작업할 때 이 모든 것이 지휘자의 관심을 끌 수 밖에 없습니다.
N. V. Gogol은 다음과 같이 말했습니다. "모든 부분의 완전히 조율된 합의가 사람에게 미치는 영향보다 더 큰 충격은 없습니다..." 프랑스어 단어 « 앙상블” (“함께”) 이 경우 러시아의 “동의”가 가장 적절합니다. 새롭고 특별한 예술적, 미적 특성이 앙상블에서 탄생합니다. 이 작품에서는 합창 목소리의 최대 통일성, 코드 및 수직 조합에서 파트와 그룹의 균형이 가장 중요합니다. 이러한 유형의 합창 앙상블을 다음과 같이 부릅니다. 단단히 짜여 하나로 되어 있는.
동적합창 부분의 앙상블은 단일체를 위해 노력합니다. 대부분의 경우, 작품 전반에 걸쳐 우리는 작곡가가 보여주는 움직이지 않는 역동성을 접하게 됩니다. 그러나 세 번째 문장에서는 모바일 항목(28-29tt)도 찾습니다. 16마디에서는 소프라노와 알토 파트 사이의 간격이 상당히 큽니다(1옥타브 이상). 이는 다이나믹스의 차이를 수반합니다. 고음역의 소프라노 부분이 더 풍부하고 밝게 들립니다. 따라서 소프라노 파트의 점프를 소리 "G"에 맞춰 조심스럽게 고음역의 다이내믹을 어느 정도 억제하는 것이 좋습니다.
우리가 만나는 작품 속에서 합창멜로디 요소가 모든 목소리에 존재한다는 점에서 동음이의 앙상블과 다른 앙상블이지만, 상위 목소리에서는 일반적으로 멜로디가 더 개별화됩니다. 각 부분의 특징적인 억양을 식별하고 완화를 제공하기 위해 고조파 수직을 엄격하게 관찰하는 것이 합창 앙상블의 조건입니다. 차이코프스키 뮤지컬 성악합창단
합창 앙상블의 가장 미묘한 유형 중 하나는 음색입니다. 이 구성에서는 음색의 다양성이 없고 동시에 합창 색상의 모든 가능성이 드러나도록 목소리의 소리를 결합해야 합니다. 합창 부분의 음색 앙상블이 합쳐집니다. 일반 합창단. 파트와 그룹의 음색 조합은 표현 가능성이 무한합니다. 여기에서 소리를 찾는 데 엄청난 기회가 열립니다. 구성 이미지의 가장 생생한 구현을 위해 필요한 모든 것을 듣고 보고 강조하는 것이 중요합니다.
깨끗한 짓다- 먼저 그리고 가장 중요한 품질합창. 많은 요소들이 순수한 합창 구조의 발전과 유지에 기여합니다. 아카펠라 구조는 음악 억양의 모달 및 고조파 특성, 음향 패턴을 기반으로 합니다. 강화 시스템은 고립과 조화 가능성을 달성하는 간격 관계의 균형으로 구별됩니다. 예를 살펴보겠습니다:
세 번째 소절에서는 비올라 부분의 'Gis' 소리가 모든 작은 음정처럼 좁게 억양됩니다. 이 소리는 코드의 메이저 3분의 1 소리이므로 정확하게 들려야 한다는 점에 유의해야 합니다. 이미 네 번째 소절에서 이 사운드는 다시 "A" 사운드로 분해되고 소프라노와 알토 부분이 함께 합쳐집니다. 이 작업은 매우 신중하고 정확하게 수행되어야 합니다. 억양 계획에서 똑같이 간단한 위치는 소프라노 부분의 순수한 "D" 뒤에 반음계 "Dis"가 들리는 12 마디입니다. 게다가 테너 부분에서는 반음계의 소리가 즉각적으로 나타난다. 부품이 겹치지 않도록 높이를 정확하게 수행하는 것이 중요합니다. 또 다른 매우 중요한 예를 살펴보겠습니다. 17마디 비올라 부분에서는 "Gis" 소리부터 "a" 소리까지의 두 번째 억양이 두 번 반복됩니다. 이러한 경우 두 번째 소리 "A"가 약간 낮아질 위험이 있는 경우가 많습니다. 이 경우 각 후속 쌍을 증가하는 경향으로 억양하는 것이 좋습니다. 이 경우에만 소프라노와 알토 파트의 유니슨 "A"가 정확한 음정을 갖게 됩니다.
그 이하도 아닌 한 가지를 더 살펴보겠습니다. 중요한 문제- 질문 어법합창단에서. 이 개념은 종종 충분한 관심을 받지 못하며, 결과적으로 합창단의 사운드, 음악에 대한 청취자의 인식 등이 훨씬 더 어려워집니다. 첫 번째 문장에서는 텍스트 발음에 특별한 어려움이 없습니다. 각 단어는 모든 합창 부분에서 세로로 동일합니다. 따라서 여기서는 자음 "P", "M" 등의 명확한 발음에만 주의할 필요가 있습니다.
다섯 번째 소절에서는 마지막을 발음하는 순간 작곡의 템포가 지연되지 않도록 각 모음에 대해 특정 열망을 가지고 "bless"라는 단어를 발음하는 것이 좋습니다. 모음은 소리 생성의 단일 "수집" 방식에 종속되어야 합니다. 두 번째 문장과 세 번째 문장의 하위 텍스트에 차이가 있습니다. 이는 주요 시적 줄거리가 이미 주어졌고 본문을 읽은 다음 음악적 수단과 구절의 내용과 관련된 의미 반복에 의해 색이 바래고 채색된다는 사실 때문입니다. “하나님”이라는 단어는 역동적인 강조 없이 부드럽게 강조되어야 합니다. 그렇지 않으면 모음 실행의 정확성과 자음의 명확성을 보장해야 합니다.
경사 좋은 소리- 옳은 노래하는 숨. 호흡과 노래의 주요 유형은 하부 늑골 횡경막 유형으로 간주됩니다. 적절한 노래 호흡의 주요 조건 중 하나는 윗부분의 완전한 자유입니다. 가슴그리고 목. 이 작품에서는 호흡이라는 표현을 사용합니다. 첫 번째 문장에서는 흡입이 일시 중지됩니다. 두 번째 후반과 세 번째 - 연쇄 호흡.
에세이 전체에는 부드러운 톤이 사용되었습니다. 소리 공격. 숨은 차분하게 쉬어진다. 그 지속 시간은 실제 메트릭 비트의 지속 시간과 같습니다. 이 속도로. 인대가 부드럽게 닫힐 수 있도록 숨 참기가 최소화됩니다. 동시에 숨은 밀거나 누르지 않고 인대에 살짝 닿아 원하는 소리를 만들어냅니다.
"We Sing to You"라는 작품은 중형, 대형, 심지어 소형 (교회 연습에서) 거의 모든 합창단이 연주할 수 있습니다. 그러나 전례가 전체적으로 상당히 큰 합창단에 의해 수행된다는 사실을 고려해야합니다. 높은 수준준비. 이 작곡은 전문 그룹의 연주를 위해 작성되었습니다.
귀하의 훌륭한 작업을 지식 기반에 제출하는 것은 쉽습니다. 아래 양식을 사용하세요
연구와 업무에 지식 기반을 활용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.
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합창악보 분석 계획
작품에 대한 일반 정보: 정확하고 상세 이름. 창조 연도. 음악과 텍스트의 저자에 대한 정보입니다. 합창 작품의 유형(합창 "사렐라 또는 반주 포함) 합창 장르(미니어처, 대형 합창단, 편곡, 편곡, 오라토리오의 일부, 칸타타, 모음곡, 오페라 합창, 합창 무대 등). 분석된 경우 작업은 더 큰 구성의 일부이므로 작업의 일반적인 내용(연주자 구성, 부품 수 및 이름)에 대한 아이디어를 얻으려면 나머지 부분을 간략하게 설명해야 합니다.
작곡가의 작품에 대한 간략한 정보입니다. 수년간의 삶. 일반적인 특성창의성. 주요 작품. 합창 창의성에 대한 더 자세한 설명.
문학 텍스트
문학 텍스트 발표(이 작품에 사용된 모든 텍스트를 작성하세요).
문학 텍스트의 내용, 주제, 아이디어. 이미지, 표현 형식, 크기(연, 대련의 수 등). 합창 작품을 만드는 데 사용된 텍스트와 문학 원본의 비교, 발생한 변화 및 그 이유. 작곡가가 사용한 텍스트가 문학 작품의 일부(시, 시 등)인 경우 전체 작품에 대한 일반적인 설명을 제공할 필요가 있습니다. 문학텍스트와 음악의 관계. 문학 텍스트의 내용과 음악의 내용 및 합창 작품 형식 간의 일치 정도입니다. 문학 텍스트의 구조와 합창 작품의 형식 사이의 관계.
2. 음악이론적 분석
작품 형식 결정: 1부(기간), 운문, 변주곡, 2부(단순, 복합), 3부(단순, 복합), 연단, 변주곡, 론도, 소나타, 주기. 작곡가가 자신의 아이디어를 특정 작품으로 번역할 때 전통적인 형식을 사용하는 특징(부분의 크기 및 비율 등).
테마 멜로디의 특징: 성격, 억양, 리듬 및 모달 구조적 특징. 합창 파트 간 음악 및 주제별 자료 배포.
템포, 그 편차, 템포의 의미적 내용 결정, 박자 리듬 및 작업 크기. 템포 편차 분석.
작품의 모달 조성 특징, 조성 계획의 특성(주요 조성, 편차, 변조), 모달 특징(작곡가의 민속 온음계 모드 또는 특징적인 모달 전환 사용)을 분석합니다.
고조파 분석 클록 회로: 상세한 분석일반적으로 인정되는 기능 표기법 및 각 코드 이름과의 조화.
합창 질감의 특성(화음, 동음-화음, 다성, 혼합); 작품 내용과 합창단의 표현 수단과의 관계.
반주의 역할과 의미(반주 작품에 있어서)
합창 문학 모달 음조 보컬
3. 보컬 및 합창 분석
합창단의 유형, 유형 및 구성, 합창 파트의 범위 및 합창단 전체(음악 예), 테시투라, 합창단 및 개별 합창 파트의 보컬 부하 정도, 합창단에서 다양한 파트의 역할 결정 작업(주요 멜로디 자료 연주, 보조 음성, 반주).
합창 표현 기법(tutti, 불완전한 합창 그룹 사용, 분할, 비교, 점진적 포함, 복제, 교차, 색채 기법).
노래 호흡(구, 체인), 소리의 특성("밝음", "어두움" 등), 소리 과학 기술(레가토, 논 레가토, 마르카토, 스타카토)의 특성을 식별합니다.
합창 구조의 특징 분석. (멜로딕(수평) 및 화성(수직) 구조의 패턴을 고려하여 억양 측면에서 가장 어려운 순간을 식별합니다. 억양 어려움을 극복하기 위한 방법론적 기술에 대한 간략한 설명.
앙상블의 유형 및 유형 분석(일반 및 특수, 자연 - 인공, 멜로디, 다이내믹, 리듬, 딕션, 음색, 템포).
작품의 사전적 특징을 분석합니다. 문학 텍스트 분석을 바탕으로 간략한 설명딕션 작업 방법(하위 텍스트, 텍스트 없는 노래 등 고려)
특정 작품(대형, 소형, 중형)을 연주하는 데 필요한 합창단원 수와 자격(전문가, 경험자, 아마추어, 초심자)을 결정합니다.
4. 성과 분석
음악과 문학적 문구 사이의 관계에 기초한 문학적 텍스트와 음악적 텍스트의 비교;
작곡가가 사용하는 음악적 표현 수단(템포, 아고직, 다이내믹스, 프레이징)의 역할과 중요성을 식별합니다. 일반적인 동적 및 의미 론적 클라이맥스 결정 (작품의 일반 클라이맥스와 특정 클라이맥스의 관계)
작품의 장르 및 형식(합창 미니어처, 대형 성악 악기 형식, 운문, 재현 등)의 특성과 관련된 특정 연주 어려움을 식별합니다. 특정 작업에 대한 특성 결정 기본 수행 원칙(완전성, 개발의 연속성, 에피소드성, 세부 사항, 주기성 등).
합창단 장에게 필요한 지휘 기술의 선택 및 설명 실무합창단과 함께 콘서트 공연 중 지휘자의 동작 특성(들어오기, 물러남을 위한 아웃테이크, 분쇄 비트 연주 기술, 페르마타, 호흡 등)을 결정합니다.
자신의 성과 계획에 대한 설명(작업 해석)
리허설 과정에서 특별한 주의가 필요한 작업에서 가장 중요하고 시간이 많이 걸리는 순간을 결정하고 이에 대한 효과적인 작업 방법(솔페지, 조옮김 등)을 결정합니다.
결론
특정 작품에서 작곡가 작품의 일부 스타일적 특징을 식별합니다(한 작품을 다른 작품과 비교하는 예 사용).
다양한 버전의 점수 존재, 발생 이유 및 비교 분석.
분석된 작업을 동일한 텍스트에 대해 작성된 다른 작가의 작업과 비교합니다.
그의 말을 (라이브) 듣고 가능한 인상.
다양한 성능 해석의 비교.
연구 중인 작업에 대한 자신의 태도를 결정합니다.
5. 일반 요구사항합창 작품에 대한 서면 분석 준비
작품은 흰색 A4용지 한 면에 해당 규격에 따라 1줄 반에서 2줄 간격으로 인쇄됩니다. 왼쪽 여백은 30mm, 오른쪽 여백은 10mm, 위쪽 여백은 15mm, 아래쪽 여백은 20mm입니다. 텍스트 14 글꼴 Times New Roman.
코스 분석의 총량은 인쇄된 텍스트로 최소 15-20페이지, 논문은 25페이지 이상이어야 합니다. 작업의 대부분은 보컬 및 합창 분석으로 이루어지지만 모든 부분은 대략적으로 서로 비례해야 합니다. 잉크가 묻은 오선지(검은색 풀만)의 텍스트에 음악적 예를 사용한 다음 작품의 텍스트가 표시될 때 삽입(붙여넣기)해야 합니다.
모든 음악적 예는 본문 전반에 걸쳐 아라비아 숫자로 번호가 매겨져 있습니다. 예제의 오른쪽 상단 모서리 위에 숫자 앞에 "아니요" 기호가 없고 뒤에 점이 없이 일련 번호를 나타내는 "예제..."라는 문구를 배치합니다.
작품의 전체 텍스트는 장으로 나뉩니다. 작품의 구조적 부분의 제목은 대문자, 16글자 Times New Roman으로 작성되고 굵은 이탤릭체로 강조 표시됩니다. "작품과 작가에 대한 일반 정보", "음악 이론 분석", "보컬 및 합창 분석", "분석 수행", "결론" ", "사용된 소스 목록", "부록". 각각의 새로운 장은 새로운 페이지에서 시작됩니다.
페이지 번호는 3페이지부터 시작하여 각 페이지의 하단 중앙에 표시됩니다. 제목 페이지와 내용에는 번호가 매겨져 있지 않습니다.
합창 작품 분석은 제목 페이지부터 시작해야 합니다.
제목 페이지 다음에는 후속 텍스트의 제목을 지정해야 합니다. 목차(목차)는 두 번째 페이지에 배치한다.
사용된 출처 목록은 알파벳 원칙에 따라 작성되어야 하며 독립적으로 연구된 15~25개의 저작(정보, 참고, 이론 및 방법론)으로 구성되어야 합니다.
참고 부록은 사용된 소스 목록 뒤에 배치됩니다. 각 애플리케이션은 새 페이지에서 시작되어야 합니다. 지원서는 업무범위에 포함되지 않습니다.
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