Analyse du travail vocal. Plan d'analyse des oeuvres vocales

La nature figurative-émotionnelle de la pièce dans son ensemble, le programme (le cas échéant). caractéristiques de genre. Forme, ton principal. Caractère figuratif-émotionnel et moyens d'expression musicaux les plus significatifs des parties principales de la pièce (principalement du matériel thématique). La dynamique de développement (si elle est clairement exprimée), le moyen le plus important de sa mise en œuvre. Traits caractéristiques du style du compositeur dans la pièce. Le lien du jeu avec la tradition (les traditions) correspondante.

Analyse du cycle instrumental des miniatures.

La nature figurative-émotionnelle du cycle, le programme (le cas échéant). Composition du cycle. Regrouper les pièces incluses dans le cycle selon leur nature figurative et leurs caractéristiques de genre. Le moyen le plus important de combiner des pièces dans un cycle. Le caractère général figuratif-émotionnel et le moyen d'expression le plus important dans la musique de certaines des pièces incluses dans le cycle. La valeur du cycle dans l'oeuvre du compositeur. Traits caractéristiques du style du compositeur dans le cycle. Le lien du cycle avec la tradition (les traditions).

Analyse de la miniature vocale.

Lors de l'analyse d'une miniature vocale, vous devez être guidé par le plan de la section «Analyse d'une miniature instrumentale», en le complétant par les points suivants:

Corrélation du texte verbal et de la musique. Le rapport des parties vocales et instrumentales et leur signification. Entrepôt de pièces vocales et instrumentales.

Analyse du cycle vocal des miniatures.

Lors de l'analyse du cycle vocal des miniatures, il convient de se guider sur le plan de la section «Analyse du cycle instrumental des miniatures», en le complétant par les points suivants:

Corrélation du texte verbal et de la musique. Le rapport des parties vocales et instrumentales et leur signification. L'entrepôt dominant de parties vocales et instrumentales.

Analyse d'une œuvre instrumentale écrite sous la forme d'un cycle sonate-symphonie.

Le caractère figuratif et émotionnel de l'œuvre dans son ensemble, le programme (le cas échéant). caractéristiques de genre. Composition du cycle, clé principale. Le contenu, la structure et le langage musical de chaque partie du cycle : le caractère figuratif-émotionnel et les principales caractéristiques de genre de la partie dans son ensemble, son rôle dans la dramaturgie du cycle ; forme et tonalité principale du morceau; la nature figurative-émotionnelle et les moyens d'expression les plus essentiels de la musique des principales sections du mouvement (principalement le matériel thématique); la dynamique de développement dans la partie dans son ensemble et dans les sections individuelles (si elle est clairement exprimée), le moyen le plus important de sa mise en œuvre. Le moyen le plus important de combiner des pièces dans un cycle. La valeur de l'œuvre dans l'œuvre du compositeur. Traits caractéristiques du style du compositeur dans l'œuvre. Le lien du travail avec la tradition (les traditions).

Analyse d'une grande pièce instrumentale en un seul mouvement.

Le caractère figuratif et émotionnel de l'œuvre dans son ensemble, le programme (le cas échéant). caractéristiques de genre. Forme, ton principal. Caractère figuratif-émotionnel et moyens d'expression musicaux les plus significatifs des principales sections de l'œuvre (principalement du matériel thématique). La dynamique de développement dans l'œuvre dans son ensemble et dans des sections distinctes (si elle est clairement exprimée). La valeur de l'œuvre dans l'œuvre du compositeur. Traits caractéristiques du style du compositeur dans l'œuvre. Le lien du travail avec la tradition (les traditions).

Analyse d'opéra.

Terrain. caractéristiques de genre. Corrélation entre texte verbal, action dramatique et musique. Caractéristiques caractéristiques de la dramaturgie (importance des principes du drame musical, rythme de l'action, rapport des éléments dramatiques, lyriques et épiques, rapport des scènes de masse et des scènes avec la participation d'un petit nombre de personnages). Le rapport des parties vocales et orchestrales et leur signification. Le (les) type(s) prédominant(s) de mélodie vocale. Composition. La valeur des principes de la formation musicale. Moyens musicaux de combiner des parties de l'opéra (numéros, scènes, peintures, actes). Les moyens musicaux de caractérisation les plus significatifs des personnages principaux (en présence de scènes de masse significatives - et les moyens de caractérisation utilisés dans ces scènes). La dynamique du développement des images principales (dans le cas de son expression distincte), le moyen le plus important de sa mise en œuvre. La valeur de l'œuvre dans l'œuvre du compositeur. Traits caractéristiques du style du compositeur dans l'œuvre. Le lien du travail avec la tradition (les traditions).

Analyse d'oratorio et de cantate.

Lors de l'analyse d'oratorios et de cantates dramatiques proches de l'opéra (présence d'une intrigue relativement développée, acteurs) vous devez être guidé par le plan de la section "Analyse de l'opéra".

L'analyse des autres oratorios et cantates s'effectue selon le plan suivant :

Socle de l'histoire. caractéristiques de genre. Corrélation du texte verbal et de la musique. Le rapport des éléments dramatiques, lyriques et épiques, solo (ensemble) et épisodes choraux (numéros, scènes). Le rapport des parties vocales et instrumentales et leur signification. Le (les) type(s) prédominant(s) de mélodie vocale. Composition. Moyens musicaux d'unir des parties. Le moyen musical le plus significatif d'incarner les images principales. La dynamique du développement des images principales (dans le cas de son expression distincte), le moyen le plus important de sa mise en œuvre. La valeur de l'œuvre dans l'œuvre du compositeur. Traits caractéristiques du style du compositeur dans l'œuvre. Le lien du travail avec la tradition (les traditions).

De plus, sous la direction du professeur, certaines ou toutes les parties de l'oratorio (cantate) peuvent être démontées selon le plan suivant :

base de l'intrigue, caractère figuratif-émotionnel, caractéristiques de genre de la partie dans son ensemble ; son rôle dans la dramaturgie de l'œuvre ; forme et tonalité principale du morceau; caractère figuratif-émotionnel et moyen d'expression le plus significatif de la musique des principales sections du mouvement (principalement le matériel thématique), la dynamique de développement dans le mouvement, dans son ensemble et dans des sections individuelles (si elle est clairement exprimée) .

QUESTIONS D'EXAMEN

Ministère de l'Éducation de la République de Mordovie

GBOU RM SPO (collège) "Collège pédagogique de Zubovo-Polyansk"

Développement méthodique

« Annotation écrite pour une œuvre vocale-chorale »

Compilé par: professeur du VKK Savina N.S.

Zubova Polyana, 2013

Note explicative.

L'une des formes de travail analytique d'un futur professeur de musique (école primaire) est une annotation écrite pour une œuvre vocale et chorale. ce travail pertinent dans la mesure où une large place dans l'activité créatrice de l'enseignant est occupée par le travail vocal et choral (les élèves se livrent volontiers à ce type d'activité musicale). Lors de l'élaboration d'un plan de cours, l'enseignant accorde beaucoup d'attention à la première étape du travail sur la chanson - préparatoire. Exactement sur étape préparatoire l'enseignant effectue une analyse vocale-chorale d'une œuvre musicale, en tenant compte des œuvres vocales en termes de figurativité, d'accessibilité du contenu, de la séquence de formation des compétences et capacités vocales et chorales, décrivant des méthodes et des techniques spécifiques pour le travail.

Pour mener à bien une tâche artistique et performative, un futur spécialiste doit maîtriser diverses méthodes d'appréhension du matériau musical et poétique : analyse, comparaison, comparaison, généralisation, etc., qui fonctionnent en étroite relation. Dans le processus d'annotation, les méthodes ci-dessus sont utilisées, ce qui contribue à la formation de compétences et d'aptitudes autodidactes. Le développement méthodologique a été créé sur la base des travaux scientifiques des chefs de chœur, théoriciens: E. Dyganova, L. Bezborodova, P. Chesnokov, B. Tevlin et autres.

Le but de l'annotation : préparer l'élève au travail de chef de chœur indépendant.

Dans le processus d'écriture du travail, les tâches suivantes sont résolues:

Acquisition de compétences et d'aptitudes autodidactes travail indépendant avec la littérature, l'analyse, la comparaison et la systématisation des faits, des généralisations et des conclusions ;

Maîtriser la terminologie professionnelle;

Formation de perspectives professionnelles;

Préparation des élèves au travail de chef de chœur indépendant.

Cet ouvrage se compose de deux sections : la première section est « Recommandations pour compiler des annotations à la chanson du répertoire scolaire. Apprendre une chanson d'école" ; la deuxième section - "Recommandations pour compiler des annotations aux œuvres chorales du répertoire scolaire" (classes juniors et seniors).

Section "Recommandations pour la compilation d'annotations à la chanson du répertoire scolaire. Apprendre la chanson de l'école.

La première forme de travail écrit indépendant des élèves consiste en de courtes annotations écrites sur des œuvres incluses dans le répertoire scolaire. Ce travail d'analyse à orientation professionnelle est effectué selon le plan suivant :

1. Identification et définition :

Contenu émotionnel et sémantique de l'œuvre et moyens d'expression ;

Identification des caractéristiques et des difficultés ;

Tâches éducatives: éducatives, éducatives, évolutives, formatrices.

2. "Apprendre la chanson de l'école" et comprend les éléments suivants :

Résumé de la conversation d'introduction (informations sur les auteurs de la chanson, contenu, analyse de la nature de la musique), qui est réalisée sous la forme d'un récit avec l'inclusion de questions à la disposition des étudiants et de réponses proposées ;

Le plan de répétition couvre tous les éléments d'apprentissage après avoir montré la chanson et parlé.

Par exemple:

Écoutez la première phrase (interprétation de la voix et de l'instrument) ; répétez la première phrase avec moi;

Nous chantons comme une seule personne (obtenant un son à l'unisson);

Disons les mots en rythme (travail de la diction) ;

Écoutez la deuxième phrase et déterminez si elle a des similitudes avec la première (développement de la mémoire musicale), etc.

Le plan de performance reflète le tempo, les changements dynamiques dans les différents couplets de la chanson, le phrasé, les climax privés et généraux, la nature de la science du son (coups), les accents, les pauses, les mots logiquement accentués, etc.

Lors de la rédaction d'une annotation, pour une étude plus approfondie d'une œuvre musicale, vous pouvez utiliser le schéma suivant :

La place et la signification de la chanson dans le sujet de la leçon (trimestre).
Remarques introductives (histoire de la chanson, informations sur les auteurs, formes d'art connexes).
Conseils pour interpréter des chansons.
Questions pour clarifier les impressions : quel effet a la musique, quelle image musicale, qu'exprime la musique ?
Observer le développement de la musique et déterminer son apogée.
Sélection d'instruments de musique appropriés pour l'accompagnement.
Définition de la forme (pourquoi une telle construction ?).
Quels types d'arts connexes peuvent être utilisés?
Élaboration d'un plan de mise en œuvre.
Une indication des difficultés du travail et des méthodes pour les surmonter.
Relation entre mélodie et accompagnement ?
Révéler les moyens d'expression musicale ?
Définition des tâches (éducation, formation, développement).
Devoirs en lien avec ce travail.
Déterminer le lien de la musique avec la vie ?
Enumération des oeuvres de ces auteurs?
Pourquoi l'œuvre s'appelle-t-elle ainsi et à quel domaine peut-elle être attribuée ?
Quelle est la pertinence de ce travail ?
Quelles capacités musicales, compétences, aptitudes des élèves contribuent à la perception de cette œuvre ?
Dans quelle classe est-il plus opportun d'étudier ce matériau musical?
Quels facteurs de la vie du compositeur, liés à la période de création de cette œuvre, peuvent être utilisés pour intéresser les étudiants et les Samis à assurer une perception plus profonde de cette œuvre ?

Un exemple est les annotations d'élèves suivantes.

Annotation sur la romance "Sunset" d'E. Grieg.

«La connaissance de la romance du compositeur norvégien E. Grieg «Sunset» se produit lors de l'étude du sujet «Musique des peuples du monde». Cette œuvre exprime l'amour profond du compositeur pour sa nature natale.

L'œuvre est écrite sous forme de couplet, mais en même temps, lors de l'étude du sujet «Construction (formes) de la musique», l'attention des enfants peut être attirée sur le fait que dans le couplet, la comparaison de la majeure dans la première partie avec le mineur dans la deuxième partie permet de bien percevoir ce roman comme une forme en deux temps. Lorsque l'on travaille sur la pureté de l'intonation, il faut être attentif à la difficulté d'exécution d'une œuvre musicale et cela réside dans le fait qu'il y a beaucoup de sauts dans la mélodie (quarte pure, quinte pure, sixte mineure, septième mineure, etc. .), la composition de l'intervalle des secondes majeures et mineures. Le rythme est simple, avec une alternance de pas plus de trois durées. La conduite de la voix doit être naturelle et claire. La gamme ne dépasse pas une octave. La taille de l'œuvre est de 12/8, ce qui donne à la musique un caractère doux, semblable à celui d'une valse. La gamme majeure (si majeur) dans la première partie du couplet donne à la musique un caractère plus léger et plus doux - comme un rayon de soleil essayant de percer les nuages. Une douceur, une tendresse, une inspiration particulière est donnée par l'harmonie mineure du deuxième mouvement. C'est dans cette partie que l'aboutissement de ce travail tombe sur le mot "fils.."; comme si le compositeur chantait une « berceuse » pour endormir la nature et toute vie sur terre. Afin de transmettre plus profondément l'image d'une œuvre musicale, les mots de la phrase suivante de la deuxième partie "les bouleaux chuchotent un peu .. Les rêves viennent aux fils de la terre ...." il est souhaitable de chanter sur la respiration en chaîne. Et les paroles du texte « Bientôt le soleil disparaîtra derrière la bande écarlate » et la conclusion instrumentale qui suit, complètent à merveille ce tableau.

Apprentissage de la romance par E. Grieg "Sunset".

U. Dans cette leçon, nous continuerons à nous familiariser avec l'œuvre du compositeur norvégien Edvard Grieg.

De quelles œuvres vous souvenez-vous de ce compositeur ? (réponses des enfants)

(A l'enregistrement d'un extrait de l'oeuvre "Morning" histoire)

Trollhausen Manor est situé sur la côte pittoresque en silence. dans la paix et la solitude près d'une nature belle et dure, le compositeur norvégien E. Grieg, le premier classique de la musique norvégienne, le fondateur de la musique nationale norvégienne, a passé une longue vie.

Depuis plus de 100 ans, sa musique captive les auditeurs par sa poésie et sa spontanéité.

La Norvège est un pays de gens forts et courageux. Au milieu du XIXe siècle, la culture nationale norvégienne s'est épanouie.

E. Grieg est né en 1843 dans la grande ville balnéaire de Bergen. La famille de Grieg était dominée par une passion ardente pour la musique. Sa mère était une pianiste qui se produisait souvent lors de concerts en ville et son frère aîné John jouait du violoncelle.

Depuis son enfance, Grieg aimait la musique et la nature norvégienne, qu'il a ensuite interprétée de manière figurative et poétique dans ses œuvres. Il se promenait souvent dans les forêts et les villages, écoutant les sons de la nature et les chants folkloriques, les rythmes et les intonations, qui formaient la base de sa musique.

Après avoir obtenu son diplôme, il se rend en Allemagne dans la ville de Leipzig. Ayant fait ses études en Allemagne et de retour en Norvège, il consacre tous ses efforts au développement de la culture nationale norvégienne.

La renommée d'Edvard Grieg en tant que compositeur, pianiste et chef d'orchestre grandit rapidement. Il donne beaucoup de concerts, fait la connaissance du compositeur russe P.I. Tchaïkovski, qui deviendra plus tard son ami.

La musique de P.I. Tchaïkovski et Edvard Grieg était unie par la beauté, la sincérité, la poésie et l'amour de la nature.

Ils étaient appelés "chanteurs" de leur nature natale. Bien que Tchaïkovski ne connaisse pas le norvégien et Edvard Grieg ne connaisse pas le russe, ils communiquaient dans la langue de la musique, qui ne nécessite pas de traduction.

Écouter de la musique et des histoires.

Aujourd'hui je vous propose d'écouter puis d'apprendre une des oeuvres d'E. Grieg (le titre n'est pas annoncé).

"Sunset" - écoute.

Discussion sur la pièce que vous avez entendue.

Connaissez-vous ce travail ?

A quel compositeur appartient-il ?

Que nous dit ce travail ?

Quelle heure de la journée le compositeur a-t-il représentée ?

Quels sentiments sont exprimés dans cette pièce ? (la nature se prépare au sommeil, donc la musique exprime les sentiments et les humeurs correspondants d'une personne - un sentiment de calme, de tendresse, de paix (et seulement ici le titre de l'œuvre est exprimé).

W. Un phénomène naturel merveilleux - le coucher du soleil est très apprécié par de nombreux artistes. Et tout au long de l'histoire de la peinture mondiale, des milliers de tableaux représentant un coucher de soleil en soirée ont été peints.

Analyse basée sur le tableau de I. I. Levitan "Soirée d'été"

W. Regardez la photo de l'artiste russe I. Levitan.

À quelle heure de la journée l'artiste a-t-il représenté ? Pourquoi penses-tu ça? Quelles couleurs dominent sur cette photo ?

Qu'est-ce qui est montré au premier plan ? (une périphérie de village déserte clôturée avec une clôture de poteaux inégaux, puis un grand champ et une bande de forêt)

Qu'est-ce qui est montré au milieu? (la forêt ensoleillée attire, fait signe à elle-même et je veux m'échapper de l'ombre froide du crépuscule pour y courir)

Où est-ce que cette route mène? (peut-être qu'elle est comme un chemin vers l'inconnu beau monde ou "chemin vers l'éternité").

U. Qu'est-ce qui fait un beau coucher de soleil ? Probablement pas seulement ce qui vous permet de regarder des images d'une beauté époustouflante. Le temps est ce qui compte! Nous regardons le coucher du soleil en fin de journée. Comment était la journée ? Nous a-t-il apporté de la joie ou de la peine ? Avons-nous nous-mêmes fait une bonne action pour le bien des autres, ou au contraire avons-nous fait une mauvaise action, vexé quelqu'un ? De telles pensées ne viennent pas le matin : c'est pour des espoirs, des projets. La journée se passe dans les soucis, occupée par les affaires. Lorsque le soleil passe sous l'horizon, résumez. C'est le moment de penser à la vie, à la beauté et à l'éternité de la nature, à notre place en elle. Pas étonnant que cette heure de la journée soit étroitement liée à l'humeur de l'âme qui a inspiré les poètes et les artistes. Les peintures de la Volga de I. Levitan sont appelées poèmes lyriques. Beaucoup d'entre eux reproduisent les moments où les reflets du soleil couchant colorent le ciel et la surface tranquille de l'eau ("Evening. Golden Reach"), les bâtiments du monastère et leur reflet dans l'eau ("Evening Ringing"), feuillage d'automne pourpre ("Soirée d'été").

(L'analyse de l'image est faite pour une perception plus profonde de l'œuvre musicale)

U. Et maintenant, nous allons réécouter ce travail et essayer de ressentir à nouveau l'ambiance de cette image et les sentiments exprimés dans la musique, ainsi que de nous souvenir de la mélodie de cette romance.

Réécouter un morceau de musique.

Apprentissage romantique

J'apprends la romance par des phrases avec de multiples répétitions et de nouvelles tâches. Je porte une attention particulière à l'intonation exacte de la mélodie, à l'articulation, à la diction, à la formation du son, à la respiration, etc. (la complexité de l'apprentissage est indiquée dans l'annotation de l'ouvrage). J'associe tout le travail d'apprentissage d'un morceau de musique à l'image d'un morceau de musique.

C'est ainsi que peut se poursuivre le travail sur l'expressivité du roman « Sunset » d'E. Grieg : « Le soir l'ombre est longue, mais tu l'as courte. Tu l'as laissé tomber, je ne veux pas admirer une telle ombre. Rendez-le plus doux, chantez-le.

Après la deuxième phrase: "Sur le sol" - il y avait peu de terre, il y a un chant, mais vous ne l'avez pas chanté. "Veil" - "a" - chante profondément pour envelopper toute la terre dans les ténèbres.

Après avoir appris le premier couplet, vous pouvez penser :

Au milieu du silence de minuit

Les bouleaux chuchotent un peu,

Les rêves viennent aux fils de la terre

Les rêves volent au-dessus du monde.

Vous n'avez pas le silence. "Je" - chante et "sh" - chante un peu de manière audible. Il devrait y avoir beaucoup de voyelles, mais un peu de consonnes ... "Aux fils" - voyez comment E. Grieg aime les gens. "A" - encore une fois profondément, "les rêves soufflent" - doucement, comme sur les vagues. Vous entendez les sentiments que le compositeur partage avec nous, alors essayez de chanter comme Grieg l'a vécu. Transmettre cette beauté de la nature, la profondeur des sentiments.

La maîtrise par les enfants des moyens d'exprimer leur individualité dans l'exécution des activités devrait avoir lieu dans le processus d'accumulation et de "vivre" par eux de divers états émotionnels, dont la "formation" constante donne une nouvelle qualité - leur développement en tant que créateur culturel et spirituel personnalité.

Rubrique « Recommandations pour l'élaboration d'annotations à l'œuvre chorale du répertoire scolaire.

Le répertoire du chœur junior est plus complexe ainsi que la forme du couplet. Les élèves sont initiés à une variété de genres de musique chorale :

Chansons folkloriques (canon, chant à l'unisson a sarrella, chant à deux voix);

Chansons de différents peuples du monde;

Chansons de compositeurs du pays natal;

Chansons de compositeurs - classiques ;

chants patriotiques ;

Chansons à thème.

Dans les classes supérieures, au fur et à mesure de l'accumulation d'expérience dans l'interprétation chorale, le répertoire se complique. Ici, des travaux sont en cours sur le style d'interprétation des œuvres de compositeurs individuels et langage musical différentes époques, le développement de la polyphonie.

Ainsi, la rédaction d'une annotation pour une œuvre chorale du répertoire scolaire est une étape plus difficile dans le travail autonome de l'élève. l'habileté d'une étude approfondie de la partition chorale est nécessaire. Lors de la compilation d'une annotation, vous pouvez suggérer le schéma suivant :

3. Les principales œuvres de ce compositeur pour chœur d'enfants.

4. informations générales sur l'œuvre : le nom complet de l'œuvre, l'année (période) d'écriture de la musique et l'auteur du texte, la composition des interprètes.

5. Caractéristiques du genre choral, il peut s'agir : d'une miniature chorale, d'un chant choral, d'une romance chorale, d'un arrangement ou arrangement d'une chanson folklorique, etc. Si le morceau de musique est un arrangement d'une chanson folklorique ou une transcription d'un morceau vocal, il faut caractériser le morceau dans sa forme originale, analyser le degré d'évolution du morceau choral avec l'original.

6. Analyse de l'œuvre : contenu, personnage principal. Parties de l'œuvre (forme), la nature de chaque partie. Relation entre texte littéraire et forme musicale.

7. Moyens expressifs de l'œuvre : la nature de la mélodie, la tonalité, le tempo.

8. Caractéristiques du langage harmonique, déviations tonales, modulations. Caractéristiques de la structure rythmique de la mélodie, accompagnement.

9. Le type et le type du chœur, les caractéristiques de la texture, la nature de la ligne mélodique de chaque partie. La gamme de l'ensemble du chœur et des parties de chœur séparément.

10. Déterminer les possibilités d'utilisation de l'œuvre en œuvre avec la chorale de classes spécifiques de l'école, en tenant compte du degré « d'avancement » de la chorale.

11. Difficultés intonatives, rythmiques, de diction, vocales et autres qu'un chœur d'un âge scolaire donné peut rencontrer lors de l'apprentissage d'un morceau. Les moyens de surmonter ces difficultés.

12. Compétences vocales et chorales acquises par le chœur à la suite du travail sur l'œuvre.

13. Analyse performative (visant à étayer sa propre interprétation d'une œuvre musicale).

Lorsque vous travaillez sur une œuvre chorale, les méthodes d'apprentissage suivantes peuvent être recommandées :

Diviser l'œuvre en petits segments relativement complets et les étudier avec chaque partie chorale séparément, ainsi que dans diverses combinaisons de parties;
La connexion des segments appris en constructions conclues dans le chant en tant que parties séparées. Ainsi est tout le chœur;
Travail sur les compétences vocales et chorales - culture sonore, diction, ensemble, structure mélodique et harmonique (écoute active d'une œuvre avec l'aide de l'écoute intérieure, solfège, vocalisation, chant dans différentes syllabes, chant dans différentes tonalités, chant avec et sans accompagnement , chantant à bouche fermée, chantant les séquences harmoniques de la partition hors rythme) ;
L'utilisation d'exercices vocaux et musicaux-auditifs spéciaux lors de l'apprentissage d'endroits difficiles;
L'utilisation d'un instrument de musique dans le travail avec le chœur;
Travail sur la performance artistique de l'œuvre : phrasé, nuance, trouver le bon rythme, présentation émotionnelle du texte verbal. Familiarisation du chœur avec le plan de représentation.

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L'œuvre a été écrite pour un chœur mixte à 4 voix. Dans les 13e et 14e mesures, le chœur de femmes chante avec division, donnant ainsi de l'importance au texte littéraire, à sa signification. Les parties chorales sont assez chargées. Dans les fêtes masculines, il y a un thème principal (3 v., 4 v., 5., 10 v.). Cela est dû au passage de la ligne mélodique à la partie masculine et à sa sélection.

La présentation chorale se caractérise par l'unité harmonique, l'absence de contrastes nets, l'équilibre et une attention particulière à l'horizontale. La distance entre les voix fluctue entre les tiers et les quarts.

La gamme de l'œuvre entière : du "la" d'une petite octave au "mi" de la deuxième octave.

Gamme soprano 1 : ("fa" de la première octave à "mi" de la deuxième octave).

Gamme soprano 2 : ("à" la première octave à "à" la deuxième octave).

Gamme d'alto 1 : ("si" d'une petite octave à "sol" de la première octave).

Gamme Alto 2 : ("la" petite octave à "sol" première octave).

La tessiture du chœur d'hommes : (« mi » d'une petite octave à « do » de la première octave).

La tessiture des parties chorales et de l'ensemble du chœur est assez pratique, sauf que le chœur d'hommes doit interpréter la même note pendant une longue période de temps, à cause de quoi la voix semble tendue et l'intonation diminue.

Le schéma mélodique des voix est lisse, plastique, sans hauts et bas aigus. Dans chaque partie, il est important de diriger une mélodie horizontale, mettant en évidence des mots sémantiques individuels dans des phrases et des phrases. Il est particulièrement difficile de chanter sur un son dans le chœur d'hommes et dans la partie d'altos. Il convient également de prêter attention au chant des unissons d'octave (8 m.) À 5-8 m., des signes supplémentaires «la #, sel #» apparaissent, qui doivent être chantés à un rythme lent, en entonnant correctement le son. Dans la partie du chœur d'hommes à 5,6,10 tons, il vaut la peine de chanter lentement un chant sur le mot "temple", "lumière", la syllabe "lui-même". Pour un mot, il y a psalmodie en 4 huitièmes de durée, ce qui peut créer un danger d'"entrées". Chaque son doit être chanté souligné activement. Dans la partie du chœur de femmes (13 m.), changez avec précaution pour une tonalité différente et chantez des transitions nettes vers l'accompagnateur. Les sauts d'intervalle tels que "b3" sont plus courants, il existe également des intervalles "ch4" qui nécessitent un chant supplémentaire pendant l'apprentissage pour la pureté de l'intonation.

L'œuvre est une forme de couplet avec un ajout et une petite vocalisation à la fin, il faut donc faire attention à la structure mélodique.

Le tempo de l'oeuvre est assez lent, ce qui présente une difficulté rythmique, car la qualité de l'ensemble rythmique peut en souffrir. son vocal mélodique de chœur

Caractéristiques du dictionnaire de l'œuvre : articulation claire, séparation des lettres de consonnes entre la fin et le début de deux phrases (1-2 voyelles, 5-6 voyelles, 11-12 voyelles), attaque sonore lorsque deux voyelles se heurtent (3-4 voyelles) . , 8 tonnes, 14 tonnes). La difficulté est la présence d'un rythme pointé (1-4 t., 9, 10, 12 t.). Le mouvement de cette œuvre est maintenu principalement en huitièmes de durées, il y a des demi-durées. Pour l'exécution exacte de tout dessin, ainsi que pour la préservation du contour tempo-rythmique général de l'ensemble du travail, il est nécessaire de diviser conditionnellement rythmiquement les durées en plus petites.

Conformément au texte littéraire et musical, il est nécessaire de respirer en chaîne dans 1-2 tonnes du deuxième couplet, 3-4 tonnes du deuxième couplet, 5-6 tonnes du premier couplet, 7-8 tonnes du premier et deuxième couplets, 9-10 M. Dans d'autres cas, vous devez prendre une courte césure. Il y a des changements dans le rythme des communications avec un point culminant (9-12 tonnes) à 7-8 tonnes. le deuxième couplet, il faut ralentir et étoffer le chant.

Les liens de la traduction du texte du géorgien vers le russe proviennent du décalage des climax des phrases dans le texte littéraire. Il existe des incohérences entre la syllabe principale accentuée et le point intonatif principal de la phrase musicale. La nature du son vocal est sobre et émouvante. Pour véhiculer l'image musicale de l'œuvre, diverses dynamiques sont utilisées, la présence d'un point d'orgue. Par exemple, dans les mesures 7-8 du deuxième couplet, un point d'orgue est utilisé pour conclure logiquement le couplet et passer au chœur de femmes. Le principal type de connaissance sonore est Legato, lorsque toutes les syllabes doivent être étroitement «liées» les unes aux autres.

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L'espace de la scène et l'espace de conscience du pianiste-accompagnateur du chœur. Le texte de l'œuvre chorale tel que reproduit par l'accompagnateur du chœur. Types de texte musical et expérimentations méthodiques de mastering. La langue du chef d'orchestre comme composante du texte de l'œuvre étudiée.

thèse, ajoutée le 06/02/2011

Informations générales sur la miniature chorale de G. Svetlov "La tempête de neige balaie la voie blanche". Analyse musicale-théorique et vocale-chorale de l'œuvre - caractéristiques de la mélodie, du tempo, du plan tonal. Le degré de charge vocale du chœur, les méthodes de présentation chorale.

résumé, ajouté le 12/09/2014

Portrait créatif de Mikhail Vasilyevich Antsev - l'auteur de textes musicaux et littéraires. Analyse du texte poétique, analyse musicale-théorique et vocale-chorale des compositions. Caractéristiques du travail avec la partition du chef d'orchestre du chœur féminin.

dissertation, ajouté le 06/04/2014

Les premiers chefs d'orchestre russes. Classification des chefs d'orchestre selon la nature de l'impact sur le groupe d'artistes interprètes. Piloter un orchestre avec un trampoline. Quelles sont les principales différences entre un chœur et un ensemble vocal ? La structure de l'appareil vocal. Types de chœurs.

L'œuvre «Nous vous chantons» de P.I. Tchaïkovski a été écrite pour un chœur mixte à quatre voix a cappella avec l'utilisation d'une division dans la partie de basse (les deux dernières mesures de la composition).

Portée générale du chœur :

Mi (grande octave) - Sol (deuxième octave)

Général intervalle le chœur s'étend sur plus de trois octaves, bien que la plage de fonctionnement soit d'un peu plus de deux octaves.

Considérez la tessiture de chaque partie de chœur séparément :

Soprano:

Alto:

Ténor:

Ainsi, on voit que la tessiture de la partie basse est la plus large du fait de l'utilisation des basses basses II dans les deux dernières mesures. Malgré cela conditions de tessiture dans cette partie chorale sont tout à fait acceptables. Quelques désagréments de tessiture sont ressentis par les parties soprano (16m) et ténor (17.27). Mais, on sait que « We sing to you » fait partie d'une grande œuvre écrite pour une chorale professionnelle. Ces conditions de tessiture seront donc acceptables pour toute la composition du chœur.

Diplôme charge vocale heure est la même. Dans la deuxième phrase, la mélodie passe d'une voix à l'autre (soprano - ténor, basse), en douceur, saturant toute la texture de la composition avec brio et expressivité particulière. Dans la troisième phrase, la plus grande charge incombe aux parties de soprano et de ténor. La partie de basse fonctionne comme une pédale de chœur. Chaque partie chorale joue un rôle important dans la formation de la texture, la corrélation des timbres.

Des qualités expressives de timbre spécifiques sont inhérentes à la partie ténor. C'est la partie la plus expressive et la plus vivante de la composition. Malgré le fait que la voix mélodique est principalement interprétée par la partie soprano, la partie ténor se rappelle constamment. Mouvements expressifs brillants (17,20,27tt), l'utilisation de sons mixtes ou de fausset dans dynamique silencieuse la troisième phrase (27,29 tt) - tout cela ne peut qu'attirer l'attention du chef d'orchestre lorsqu'il travaille avec la partie chorale et le chœur.

Une fois, N.V. Gogol a déclaré: "Il n'y a pas de choc plus élevé qu'un accord parfaitement coordonné de toutes les parties entre elles produit sur une personne ...". mot français « ensemble» (« ensemble ») dans ce cas, le « consentement » russe est le plus cohérent. Une nouvelle qualité artistique et esthétique particulière naît dans l'ensemble. Dans cette œuvre, l'unité maximale des voix chorales, l'équilibre des parties et des groupes dans l'accord et les combinaisons verticales sont mis en avant. Ce type d'ensemble choral est appelé - monolithique.

Dynamique l'ensemble de la partie chorale tend vers un monolithe. Pour l'essentiel, tout au long de l'œuvre, nous rencontrons la dynamique immobile affichée par le compositeur. Cependant, dans la troisième phrase, nous rencontrons également le mobile (28-29tt). En mesure 16, il y a un écart assez important entre les parties soprano et alto (plus d'une octave). Cela entraîne une différence de dynamique - la partie soprano dans le registre aigu sonne plus riche et plus vive. Par conséquent, il est recommandé que le saut de la partie soprano au son «G» soit soigneusement entonné, en restreignant quelque peu la dynamique dans le registre supérieur.

Dans le travail que nous rencontrons choral un ensemble qui diffère d'un homophone en ce qu'il a un élément mélodique dans toutes les voix, bien que dans la voix supérieure, en règle générale, la mélodie soit plus individualisée. Révéler les intonations caractéristiques de chaque partie, leur donner du relief, en respectant strictement la verticale harmonique, telles sont les conditions de l'ensemble choral. Chœur vocal musical Tchaïkovski

L'un des types les plus subtils d'ensemble choral est le timbre. Dans cette composition, il est nécessaire de combiner le son des voix pour que la diversité des timbres ne se produise pas et en même temps toutes les possibilités de coloration chorale soient révélées. L'ensemble de timbres de la partie chorale se fond dans chorale générale. La combinaison des timbres des partis et des groupes est infinie dans ses possibilités expressives. Ici, de formidables opportunités s'ouvrent dans la recherche du son. Il est important d'entendre, de voir et de s'estomper tout le meilleur et nécessaire pour l'incarnation la plus vivante de l'image de la composition.

Nettoyer système- premier et qualité essentielle chant choral. De nombreux facteurs contribuent au développement et au maintien de l'accordage choral pur. La structure a cappella est basée sur les caractéristiques modales et harmoniques de l'intonation de la musique, ses motifs acoustiques. Le système tempéré se distingue par l'équilibre des rapports d'intervalle, qui réalise son isolement et la possibilité d'anharmonicité. Prenons un exemple :

Dans la troisième mesure, le son "Gis" dans la partie d'alto est entonné étroitement, comme tous les petits intervalles. Il convient de noter que ce son est la tierce majeure de l'accord et doit sonner exactement. Déjà dans la quatrième mesure, ce son se résoudra à nouveau dans le son "A", avec les parties soprano et alto fusionnant à l'unisson. Cela doit être fait avec le plus grand soin et la plus grande précision. Un endroit non moins simple en termes d'intonation est la mesure 12, où le « Dis » chromatique résonne après un « D » pur dans la partie soprano. De plus, le son chromatique apparaît immédiatement dans la partie ténor. Il est important d'effectuer l'un et l'autre exactement en hauteur afin qu'il n'y ait aucune sorte de chevauchement dans les parties. Prenons un autre exemple important. Dans la 17e mesure de la partie d'alto, la deuxième intonation est répétée deux fois du son "Gis" au son "a". Dans de tels cas, très souvent, il y a un danger d'abaisser quelque peu le deuxième son "A". dans ce cas, il est recommandé d'intoner chaque paire suivante avec une tendance à la hausse. Ce n'est que dans ce cas que l'unisson "A" dans les parties soprano et alto sera précis en hauteur.

Tournons-nous vers un plus pas moins problème important- question diction dans le chœur. Ce concept ne reçoit souvent pas l'attention voulue, à cet égard, le son du chœur en souffre, la perception de la musique par l'auditeur, et bien plus encore. Dans la première phrase, on n'observe pas de difficultés particulières dans la prononciation du texte. Chaque mot coïncide verticalement dans toutes les parties de chœur. Par conséquent, ici, il faut faire attention uniquement à la prononciation claire des consonnes "P", "M", etc.

Dans la cinquième mesure, il est recommandé de prononcer le mot « bénissons » avec une certaine aspiration à chaque voyelle afin qu'au moment de prononcer cette dernière, le tempo de la composition ne soit pas retardé. Les voyelles doivent être subordonnées à une seule manière "collectée" de production sonore. Dans les deuxième et troisième phrases, il y a des différences dans le sous-texte. Cela est dû au fait que l'intrigue poétique principale a déjà été donnée, le texte principal a été lu, puis il est estompé, coloré par des moyens musicaux et une répétition sémantique associée au contenu du verset. Le mot « Dieu » doit être accentué doucement, sans emphase dynamique. Pour le reste, vous devez surveiller la précision de l'exécution des voyelles et la clarté des consonnes.

La Fondation bon son- corriger souffle chantant. Le principal type de respiration et de chant est considéré comme étant le diaphragme des côtes inférieures. L'une des principales conditions d'une bonne respiration chantante est la liberté totale de la partie supérieure. poitrine et le cou. Dans ce travail, nous utilisons la respiration phrase par phrase. Dans la première phrase, l'inhalation est effectuée par pauses. Dans la seconde moitié de la seconde et dans la troisième - respiration en chaîne.

Tout au long de la composition, doux attaque sonore. La respiration est prise calmement. Sa durée est égale à la durée de la fraction métrique réelle dans rythme donné. Retenir le souffle est minime afin que les ligaments se ferment doucement. Au même moment, la respiration, sans pousser ni presser, en touchant doucement les ligaments, extrait le son désiré.

L'œuvre «Nous vous chantons» peut être interprétée par presque toutes les compositions de chœur - moyennes, grandes et même petites (dans la pratique de l'église). Mais, il faut tenir compte du fait que la liturgie dans son ensemble est interprétée par une composition assez nombreuse du chœur avec haut niveau préparation. Cette composition a été écrite pour être interprétée par une équipe de professionnels.

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Plan d'analyse des partitions chorales

Informations générales sur l'œuvre : son exactitude et nom détaillé. Année de création. Informations sur les auteurs de la musique et du texte. Type de création chorale (chœur à « carella » ou avec accompagnement). en cours d'analyse fait partie d'une œuvre plus vaste, vous devez décrire brièvement le reste de ses parties afin d'avoir une idée du contenu général de l'œuvre (la composition des interprètes, le nombre et le nom des parties) .

Brèves informations sur l'œuvre du compositeur. Des années de vie. caractéristiques générales la créativité. Principaux travaux. Une description plus détaillée de la créativité chorale.

texte littéraire

Présentation du texte littéraire (écrire tout le texte utilisé dans ce travail).

Le contenu du texte littéraire, son thème, son idée. Images, forme de présentation, taille (nombre de strophes, couplets, etc.). Comparaison du texte utilisé pour créer l'œuvre chorale avec l'original littéraire, les changements survenus et leurs causes. Si le texte utilisé par le compositeur est un fragment d'une œuvre littéraire (poème, poème, etc.), il est nécessaire de donner une description générale de l'œuvre entière. Relation entre texte littéraire et musique. Le degré de conformité du contenu d'un texte littéraire avec le contenu de la musique, la forme d'une œuvre chorale. La relation entre la structure d'un texte littéraire et la forme d'une œuvre chorale.

2. Analyse musicale et théorique

Définition de la forme de l'œuvre : à une voix (période), couplet, couplet-variation, à deux voix (simple, complexe), à trois voix (simple, complexe), strophique, variations, rondo, sonate, cycle. Particularités de l'utilisation par le compositeur de la forme traditionnelle dans l'incarnation de son idée dans cette œuvre (taille et rapport des parties, etc.).

Caractéristiques du thème mélodique : caractère, intonation, traits rythmiques et modaux de la structure. Distribution de matériel musical et thématique entre les parties chorales.

Le tempo, ses déviations, la définition du contenu sémantique du tempo, le métro-rythme et la taille de l'oeuvre. Analyse des écarts de tempo.

Analyse des caractéristiques tonales de l'œuvre, caractéristiques du plan tonal (tonalité de base, déviations, modulations), caractéristiques modales (utilisation par le compositeur des modes diatoniques populaires ou des tours modaux caractéristiques).

Diagramme à barres de l'analyse harmonique : analyse détaillée de l'harmonie avec une notation de fonction commune et le nom de chaque accord.

Caractéristiques de la texture chorale (harmonique, homophonique-harmonique, polyphonique, mixte) ; sa relation avec le contenu de l'œuvre et les moyens expressifs du chœur.

Le rôle et l'importance de l'accompagnement (pour les œuvres avec accompagnement).

chorale littéraire tonale vocale

3. Analyse vocale-chorale

Détermination du type, du type et de la composition du chœur, des gammes des parties de chœur et du chœur dans son ensemble (exemples musicaux), de la tessiture, du degré de charge de travail vocal du chœur et des parties de chœur individuelles, du rôle des différentes parties dans le travail (exécution du matériau mélodique principal, nuances, accompagnement).

Méthodes de présentation chorale (tutti, utilisation d'une composition incomplète de groupes choraux, division, juxtaposition, inclusion progressive, duplication, croisement, techniques coloristiques).

Identification des spécificités de la respiration chantée (par phrases, chaîne), de la nature du son (« léger », « sombre », etc.), des techniques de science du son (legato, non legato, marcato, staccato).

Analyse des caractéristiques du système choral. (Identification des moments les plus difficiles en termes d'intonation, en tenant compte des schémas des systèmes mélodiques (horizontaux) et harmoniques (verticaux). Une brève description des techniques méthodologiques pour surmonter les difficultés intonatives.

Analyse des types et types d'ensemble (général et particulier, naturel - artificiel, mélodique, dynamique, rythmique, diction, timbre, tempo).

Analyse des caractéristiques dictionnelles de l'œuvre. Basé sur l'analyse du texte littéraire brève description méthodes de travail de la diction (prise en compte du sous-texte, chant sans texte, etc.).

Détermination de la composition quantitative du chœur nécessaire à l'exécution de cette œuvre (grande, petite, moyenne) et de ses qualifications (professionnel, expérimenté, amateur, débutant).

4. Analyse des performances

comparaison de textes littéraires et musicaux basée sur la relation entre les phrases musicales et littéraires;

identifier le rôle et la signification des moyens d'expression musicale utilisés par le compositeur (tempo, agogique, dynamique, phrasé) ; détermination des culminations générales dynamiques et sémantiques (la relation entre les culminations générales et particulières dans l'œuvre).

Identification des difficultés d'exécution spécifiques, dues aux particularités du genre et de la forme de l'œuvre (miniature chorale, grande forme vocale-instrumentale, couplet, reprise, etc.). Détermination de la caractéristique (pour une œuvre donnée) principal principe d'exécution (intégrité, continuité du développement, épisodique, détail, périodicité, etc.).

Le choix et la description des techniques de technique de direction nécessaires au chef de chœur lors Travaux pratiques avec le chœur, lors d'une exécution en concert, déterminer la nature du geste du chef (suites à l'introduction, au retrait ; techniques d'exécution des parties écrasées, fermat, respiration ; etc.).

Énoncé du propre plan exécutif (interprétation de l'œuvre).

Détermination des moments les plus importants et chronophages du travail qui nécessitent une attention particulière dans le processus de répétitions, méthodes de travail efficaces sur eux (solfegging, transposition, etc.).

Conclusion

Identification de quelques traits stylistiques de l'œuvre du compositeur dans cette œuvre (sur l'exemple de la comparaison d'une œuvre avec ses autres œuvres).

La présence de différentes éditions de la partition, les raisons de leur apparition et leur analyse comparative.

Comparaison du travail analysé avec les travaux d'autres auteurs écrits sur le même texte.

L'impression d'une possible (live) écoute.

Comparaison de diverses interprétations performatives.

Identification de sa propre attitude face au travail étudié.

5. Exigences généralesà la préparation d'une analyse écrite d'une œuvre chorale

L'ouvrage est imprimé sur une face d'une feuille de papier blanc A4, selon la norme en vigueur, avec un interligne et demi à deux. La marge gauche est de 30 mm, la marge droite est de 10 mm, la marge supérieure est de 15 mm et la marge inférieure est de 20 mm. Texte 14 en Times New Roman.

Le volume total de l'analyse du cours doit être d'au moins 15 à 20 pages de texte imprimé, diplôme - 25 pages. Plus Le travail est occupé par l'analyse vocale-chorale, cependant, toutes les parties doivent être approximativement proportionnées les unes aux autres. Il est nécessaire d'utiliser des exemples musicaux dans le texte sur du papier à musique avec de l'encre (uniquement de la pâte noire), qui sont ensuite insérés (collés) au fil de la présentation du texte de l'œuvre.

Tous les exemples musicaux sont numérotés avec des chiffres arabes dans l'ensemble du texte. Au-dessus du coin supérieur droit, les exemples placent l'inscription "Exemple ..." indiquant le numéro de série sans le signe "Non" avant le numéro et sans point après celui-ci.

L'ensemble du texte de l'ouvrage est divisé en chapitres. Les titres des parties structurelles de l'œuvre sont écrits avec une majuscule, police 16 Times New Roman et sont soulignés en italique gras : « Informations générales sur l'œuvre et ses auteurs », « Analyse musicale et théorique », « Vocal and choral analyse », « Réaliser l'analyse », « Conclusion », « Liste des sources utilisées », « Annexes ». Chaque nouveau chapitre commence sur une nouvelle page.

La numérotation des pages commence à la page 3 et est placée en bas au centre de chaque page. La page de titre et le contenu ne sont pas numérotés.

L'analyse d'une œuvre chorale doit commencer par une page de titre.

Après la page de titre, le texte suivant doit être intitulé. Le contenu (table des matières) doit être placé sur la deuxième page.

La liste des sources utilisées doit être construite par ordre alphabétique et consister en 15 à 25 ouvrages étudiés indépendamment (information-référence, théorique et méthodologique).

Notez que les applications sont placées après la liste des sources utilisées. Chaque application doit commencer sur une nouvelle page. Les applications ne sont pas incluses dans la portée des travaux.

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